El podcast Vivo bailando tiene como protagonistas a cinco inspiradoras artistas del mundo de la danza: Poliana Lima, Luz Arcas y las Premios Nacionales de Danza Olga Pericet, Rocío Molina y María Pagés. Cinco mujeres que son ya historia de la creación coreográfica en nuestro país y referentes internacionales de este arte. Cada capítulo condensa una conversación de cinco minutos en la que las creadoras comparten con la periodista Olga Baeza los secretos del poder transformador de la danza y su transcendencia en la sociedad.

Los cinco episodios de esta primera temporada visibilizan en primera persona la aventura de una vida dedicada a la creación con sus riesgos, sus temores y sus alegrías. Y, también, con sus consejos para las nuevas generaciones.

Vivo bailando es una iniciativa de la agencia de comunicación CULTPROJECT en colaboración con el Ministerio de Cultura, Radio Nacional de España y el Parlamento Europeo.

Accede a los podcats Vivo bailando aquí.

UN PAÍS EN DANZA, idea original de Antonio Najarro, cumple con el objetivo del ente público de divulgar la cultura en general y los valores particulares que como sociedad nos colocan como referentes a nivel internacional. Con la emisión de su segunda temporada se vuelve a dar visibilidad a una disciplina y a unos valores, que más allá de la expresión artística, está presente en otros entornos y disciplinas profesionales. Esta segunda entrega vuelve a dejar patente, por el nivel de sus invitados, la relevancia de los profesionales de la danza que año tras año nuestro país “ofrece” al mundo de la cultura, profesionales que agotan entradas en los centros culturales más prestigiosos del mundo.

La danza española y sus variedades están muy presente en esta temporada, en la que se puede conocer desde las raíces de nuestras tradiciones y de cómo, desde el respeto, han evolucionado hasta nuestros días gracias al compromiso de dantzaris como Jon Maya, sorprendiendo más allá de nuestras fronteras, experimentando e innovando como Manuel Liñán, Rocío Molina o Eva Yerbabuena. Donde la fusión mejora el concepto, como lo demuestran bailarines como Jesús Carmona o Chevi Muraday en sus interpretaciones.

Un país en danza es un compromiso con la disciplina y por dar cabida a quien a lo largo de su vida así lo ha entendido. Si en la primera temporada tuvo “decanos” del arte, como fue el caso de Carlos Saura, en la segunda cuenta con exponentes de otras épocas, como es el caso de Rafael de Córdova. Sin olvidar a aquellos representantes que triunfan al frente de compañías fuera de España, como es el caso de Lucía Lacarra o Iratxe Ansa e Igor Bacovich. Pero también es un compromiso por acercar estos valores al gran público, de ahí que en esta temporada cuente con invitados como Javier Castillo, “Poty”, un referente de la danza que ha sabido “colarse” en entonos menos técnicos, pero necesarios para alcanzar este propósito.

Así como en la primera temporada dio cabida a otras disciplinas, ajenas a la danza, pero en las que esta está muy presente, esta entrega da cabida a los oficios que hacen posible que esta expresión corporal alcance sus máximas cotas. De este modo, poner en valor a un sector que ha sufrido en primera persona las consecuencias de una pandemia que, en la mayoría de los casos, los relegó a un punto muerto en sus respectivas actividades. Sin olvidar a aquellas iniciativas que reivindican la danza como patrimonio cultural de nuestro país y elemento integrador, como es el caso del Festival de Jerez o del Psicoballet Maite León.

UN PAÍS EN DANZA es una producción de RTVE en colaboración con la productora KROMA QUITE ON, que se emitió del 3 de octubre al 5 de diciembre, todos los lunes a las 20:00h por La2 de Televisión Española.

Accede a todos los episodios de Un país en danza 2ª temporada aquí.

Manuel Liñán e Isamay Benavente

Iratxe Ansa e Igor Bacovich (Metamorphosis Dance)

Jon Maya

Chevi Muraday

Lucía Lacarra

Jesús Carmona

Rocío Molina

Javier Castillo 'Poty'-

Eva Yerbabuena

Rafael de Córdova

El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, organizaron una conmemoración muy especial para celebrar el Día Internacional de la Danza, 29 de abril,en 2022, a través de un streaming por la paz, que unió coreografías del Ballet Nacional de España (BNE) y de la Compañía Nacional de Danza (CND) con el mensaje de condena a las atrocidades de la guerra que simboliza el Guernica (1937) de Pablo Picasso. La sala 206 del Edificio Sabatini nunca se había abierto antes para acoger un espectáculo coreográfico de estas características que, por primera vez, unió a las compañías nacionales de danza en una propuesta artística conjunta frente a esta obra universal.

La emisión del programa se realizó en directo el propio viernes 29 de abril, Día Internacional de la Danza, y permanecerá en el Canal Youtube del INAEM.

El programa, que incluye dos obras de estreno, se abrió con el estreno absoluto de la pieza Sombras, coreografiada especialmente para esta efeméride por el asistente de dirección artística del BNE, Miguel Ángel Corbacho, sobre la composición «Racheo», de Raúl Domínguez. Le siguieron las coreografías de Ricardo Amarante Fear y Loss, interpretadas por bailarines de la CND sobre los temas «Ne me quitte pas», de Jacques Brel, y «Mon Dieu», de Charles Dumont, ambos con arreglos musicales a cargo de Nataliya Chepurenko. El programa se cerró con Sangre de toro, creada por el director del Ballet Nacional, Rubén Olmo, sobre la «Bulería» de Diego Losada; y la pieza de estreno, montada para esta conmemoración, titulada Guernica, también con música de este compositor.

Coincidiendo con la conmemoración de los 85 años del ataque la localidad vizcaína de Guernica –bombardeada el 26 de abril de 1937-, esta iniciativa reivindica un mensaje de concordia y solidaridad a través del lenguaje universal de la danza. En palabras del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta “unimos por primera vez a nuestras dos compañías nacionales de danza frente a un símbolo universal de paz, como es el Guernica, para que el talento y la dedicación de nuestros bailarines y la singular expresión de la danza en sus diferentes estilos nos reconforten con su mensaje de confraternidad, belleza y esperanza.” El director del BNE, uno de los impulsores de esta iniciativa, subrayó que “hemos querido expresar mediante el baile el sufrimiento que causan las guerras y nuestro rechazo a que vuelvan a suceder hechos como este”. Por su parte, Joaquín De Luz, al frente de la CND, destacó que “la danza es un idioma universal que nos conecta como seres humanos. Crea lo opuesto que la guerra, que es destrucción y separación”.

Los bailarines que interpretaron este programa por la paz son Inmaculada Salomón, Miriam Mendoza, Débora Martínez, Aitana Rousseau, Cristian García, Álvaro Gordillo, Matías López, Adrián Maqueda, Álvaro Marbán, Alfredo Mérida, Áxel Galán y Manuel del Río, del Ballet Nacional de España; y Alessandro Riga, Cristina Casa, Anthony Pina, Giada Rossi, Ion Agirretxe y Pauline Perraut, de la Compañía Nacional de Danza.

La danza y sus valores llegaron a La 2 de RTVE en la temporada 2021/22 con el programa ‘Un país en danza’, presentado y dirigido por el bailarín, coreógrafo y exdirector del Ballet Nacional de España Antonio Najarro, acompañado en cada entrega por estrellas de la danza de todos los géneros y figuras de otras disciplinas.

‘Un País en Danza’ es un programa documental, producido por RTVE en colaboración con Kroma Quite On, en el que primeras figuras de la danza y otras manifestaciones artísticas muestran el mundo de la danza desde diversos ángulos, con un doble objetivo: lograr visibilidad y difusión para esta disciplina a través de un soporte de máxima calidad para todos los públicos.

Antonio Najarro ha expresado su felicidad “porque los valores reales de la danza se reflejen en la televisión pública”. “Con invitados de excepción, que hablan de lo que significa la danza, vamos a ver cómo puede engrandecer a muchas artes”, explicó. “La danza no tiene trampa ni mentira. Es repetición, constancia, sacrificio. Me ha aportado disciplina, sentido del respeto y orgullo de pertenecer a España. Y quiero que la gente se enganche, se emocione, sepa cómo empezaron Nacho Duato, Rubén Olmo, Sara Baras, Joaquín de Luz o María Pagés, o vean bailar a Ona Carbonell o Javier Fernández”.

Además de la música, la coreografía, la pintura y la literatura, consideradas “las cuatro artes del baile”, las producciones actuales suman otros recursos escénicos como el diseño de vestuario, la iluminación o la escenografía, que implican la presencia de otros profesionales. A su vez, la danza aparece como aliada en el teatro, la moda, la ópera y en otras disciplinas artístico-deportivas como el patinaje artístico sobre hielo, la natación sincronizada o la gimnasia rítmica. De esta confluencia de artes surge un diálogo enriquecedor que se refleja en cada uno de los capítulos.

En cada capítulo, se trata un concepto o un valor. Antonio Najarro, arropado por una figura de la danza y/o una personalidad de otra disciplina, ejemplifica y desarrolla ese concepto, después de visitar sus lugares de ensayo o entrenamiento, conversar y profundizar en esos valores. Por ‘Un País en Danza’ pasan representantes de la danza española en todos sus estilos, como Rubén Olmo, director del Ballet Nacional de España desde 2019, y del baile clásico, como Joaquín de Luz, actual director de la Compañía Nacional de Danza. La danza urbana está representada por Dani Pannullo; la contemporánea y neoclásica, por Nacho Duato y Blanca Li; el flamenco, por Sara Baras, María Pagés y Blanca del Rey.

Y como exponentes de otras disciplinas están Ona Carbonell (natación sincronizada); Teresa Helbig, Juan Duyos y Paul Oteyza (moda); Alberto Conejero (dramaturgia); Javier Fernández (patinaje artístico sobre hielo); Ara Malikian y Luz Casal (música); Carlos Saura (cine); o Blanca Pons Sorolla (pintura). Todos han tenido contacto con la danza a lo largo de su vida artística y en ‘Un País en Danza’ cuentan cómo ven y cómo sienten este arte. Testimonios de personajes de gran relevancia en el mundo artístico y deportivo de nuestro país, que no pertenecen directamente al mundo de la danza, pero que nos permiten comprender algo más de este arte a través de sus miradas.

Puedes ver los 8 programas de Un país en danza en RTVE Play: www.rtve.es/play/videos/un-pais-en-danza.

En el año del bicentenario del nacimiento de Marius Petipa, gran coreógrafo francés considerado el 'padre del ballet clásico', la Compañía Nacional de Danza le dedica uno de sus Cuadernos Educativos.

Bailarín, coreógrafo y uno de los maestros más influyentes de la historia de la danza, Marius Petipa es el padre del ballet clásico. A él le debemos más de 50 ballets completos, algunos tan emblemáticos como La bella durmiente. Su etapa española le influyó profundamente y creó piezas tan significativas como Don Quijote.

Descarga el pdf aquí.

Con motivo del Día Internacional de la Danza, que se celebra en todo el mundo el 29 de abril, la periodista Mercedes L. Caballero, autora del medio de comunicación especializado, unblogdedanza.com, ha reunido en un vídeo a más de 70 coreógrafos y coreógrafas que trabajan en el país. A raíz de la pregunta formulada, La danza es…, reconocidos y emergentes rostros de la creación coreográfica, declaran a cámara, con palabras y movimiento, su propia definición de este arte. “Un gran viaje en pocos metros cuadrados”, “identidad”, “intercambio”, “la más bella forma de dimensionar el cuerpo”, “necesaria”, “un ámbito de trabajo”, “pensar con el cuerpo”, “el corazón de un guepardo” o “un acto de resistencia”, algunas de la expresiones que se recogen en este vídeo que ya es testimonio de la actualidad de la danza.

Creadores y bailarines como Mónica Runde, Dani Pannullo, Carmen Werner, los directores de las compañías nacionales Antonio Najarro (Ballet Nacional de España) y José Carlos Martínez (Compañía Nacional de Danza), Janet Novás, Daniel Abreu, Olga Pericet, Chevi Muraday, Roser López Espinosa, Marco Flores, Antonio Ruz, Rosángeles Valls, Pedro Berdäyes y un largo etcétera, dan forma a este proyecto audiovisual en el que se dan claves sobre la creación en danza y el discurso de quienes la protagonizan y se toma el pulso a la actualidad dancística, dando como resultado un documento único y especial.

Los vídeos han sido grabados por los propios creadores a partir de la iniciativa lanzada desde Unblogdedanza y recogidos y editados por la periodista. De todas las definiciones formuladas alrededor de la danza, se ha elaborado un documento publicado, junto al vídeo, en unblogdedanza.com y su canal de youtube.

La danza es... en unblogdedanza.com

Unblogdedanza es un medio de comunicación digital especializado en danza fundado en 2011.
Mercedes L. Caballero, autora del site, es periodista especializada en información, crítica y difusión de la danza desde hace más de15 años. Miembro de la Academia de las Artes Escénicas de España, forma parte del consejo de dirección de su revista.

Foto de Paco Puentes
El País

Escenarios, lentejuelas, cuerpos perfectos, focos, aplausos… cuando vemos a los bailarines profesionales todo en ellos nos parece fácil, bonito y glamuroso, pero, ¿qué hay detrás de una profesión desconocida para el gran público? El sector se enfrenta en España a una situación precaria con más sombras que luces. Bailarines, coreógrafos, directores y docentes comparten con nosotros algunos de los problemas que sufren los que eligen la danza como profesión.

Cuando a una persona le preguntan, ¿A qué te dedicas?, y contesta – Soy bailarín profesional-, lo habitual es que le miren extrañados y digan, ¿y aparte de eso? Es el desconocimiento general de una profesión durísima que exige dedicación, disciplina, tenacidad y mucha vocación. Los bailarines profesionales comienzan su formación siendo sólo unos niños y no paran de estudiar y reciclarse durante toda su vida. Al tratarse de una carrera muy corta, los bailarines asumen el reto de tener que buscar un plan b a esa efímera vida de intérprete. Aunque los espectadores sólo ven la parte más atractiva de subirse a un escenario a recibir el aplauso del público, la realidad de un sector desconocido para la mayoría está llena de sombras y escollos que convierten a estos profesionales en auténticos supervivientes.

Pedimos a sus protagonistas que nos cuenten con qué problemas conviven a diario (...).

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Veinticinco años después desde la última vez que la Compañía Nacional de Danza llevó al escenario un ballet clásico completo, llega al Teatro de la Zarzuela -del 16 de diciembre al 3 de enero- el estreno absoluto del ballet Don Quijote, en una producción coreografiada por el director de la formación, José Carlos Martínez, con música de Ludwig Minkus (que interpreta en esta ocasión en directo la Orquesta de la Comunidad de Madrid), figurines de Carmen Granell, escenografía de Raúl García Guerrero y diseño de iluminación de Nicolás Fischtel.

Basilio y Quiteria pasearán su amor por el teatro madrileño a través de la coreografía de José Carlos Martínez para la CND, que el director ha diseñado con un carácter genuinamente español.

El ballet Don Quijote de Marius Petipa fue, junto con El Lago de los Cisnes, uno de los ballets más populares en Rusia, donde se creó en 1869 sobre una partitura de Ludwig Minkus. Esta obra, llena de color, rompía con el universo de las criaturas sobrenaturales o etéreas de los ballets clásicos del XIX, para poner en escena a la gente del pueblo.

El libreto se basa en un episodio del segundo volumen de El Quijote de Cervantes (capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos...”), y la acción se centra más en los amores tumultuosos de Quiteria y Basilio que en las propias aventuras de Don Quijote y Sancho: "Basilio se enamoró de Quiteria desde sus tiernos y primeros años, y ella fue correspondiendo a su deseo con mil honestos favores, tanto, que se contaban por entretenimiento en el pueblo los amores de los dos niños Basilio y Quiteria." Miguel de Cervantes.

Junto a los bailarines de la CND (Seh Yun Kim, Kayoko Everhart, YaeGee Park, Haruhi Otani, Alessandro Riga, Esteban Berlanga, Moisés Martín Cintas, Anthony Pina y Aitor Arrieta, en papeles principales), para algunas de las primeras 12 de funciones de este nuevo Don Quijote que la CND ofrecerá en el Teatro de la Zarzuela entre el 16 de de diciembre y el 3 de enero, Martínez ha querido contar con la colaboración de destacados bailarines invitados: Joaquín de Luz (madrileño, primer bailarín del New York City Ballet) será Basilio los días 16, 19 y 20 de diciembre; mientras que Quiteria será interpretada por Cristina Casa (madrileña, solista en Royal Ballet de Flandes, días 17, 27 y 30 de diciembre), Maria Kochetkova (moscovita, bailarina principal del Ballet de San Francisco días 19 y 20 de diciembre) y Elisa Badenes (valenciana, bailarina principal del Ballet de Stuttgart, días 1 y 3 de enero).

(Pueden consultarse los elencos completos aquí).

José Carlos Martínez explica: "Basándome en la coreografía original de Marius Petipa, y en las diversas versiones que he tenido ocasión de bailar (Nureyev, Baryshnikov, Gorski), me ha parecido importante mantener la construcción coreógrafica del ballet, pero he querido darle un matiz más poético al personaje de Don Quijote y a su búsqueda del amor perfecto encarnado por Dulcinea. A su vez, era necesario quitarle ese toque "español para turistas" y acercarse lo más posible a la esencia de nuestra danza. Me parece muy importante que la producción de Don Quijote de una compañía española, aún siendo una versión del clásico ruso-francés, sea realmente respetuosa con nuestra cultura y nuestra tradición."

Antonio Esteve Ródenas, Antonio Gades, figura mítica de la danza española y del flamenco, una de las más influyentes de la danza de este país en el ámbito internacional, responsable de la creación de un lenguaje y una estética que revolucionaron para siempre el baile español.

"Mi objetivo como creador es crear un ballet español que lo pueda bailar cualquier bailarín… La danza española puede también tener una expresión universal. Por lo menos, eso es lo que busco".

ANTONIO GADES para CLARÍN (Buenos Aires) en 11/07/74

Hablamos con Eugenia Eiriz, viuda de Antonio y directora de la Fundación Antonio Gades. Ella impulsa este homenaje y aúna esfuerzos para reivindicar la figura de Gades y su repercusión en la danza española.

Pregunta.- ¿Qué requisitos debe cumplir una compañía para contar con una obra de Antonio Gades en su repertorio?

Respuesta.- Querer hacerlo a conciencia y, aunque respetando su estilo propio, ser serios y rigurosos con el estudio de la obra, del coreógrafo y de la cultura de la que proviene.

P.- Señálanos alguna compañía del ámbito internacional en la que os gustaría ver el Repertorio Gades.

R.- Este año es el Ballet de Magdeburgh, una compañía clásica, la que nos lo ha pedido y hemos encargado a José Huertas que se ocupe del montaje. También el Ballet Nacional de Cuba contínua teniendo en su repertorio Bodas de Sangre. A nosotros nos gustaría pensar en una Fuenteovejuna realizada por el Bolshoi, por aquello de que Rusia es también como España, un país en que el baile popular tiene una raigambre y una variedad similar a la nuestra: se podría desarrollar un trabajo especialísimo... También el English National Ballet, que dirige ahora Tamara Rojo.

P.- ¿ Puedes definir los principales objetivos de la Fundación Antonio Gades para la próxima década?

R.- Mantener el repertorio y el estilo Gades a través de la Compañía, que es nuestro principal caballo de batalla, y hacer de esto una base para la futura creación, que será nuestro próximo paso. Estamos desando poder trabajar con creadores de hoy, coreógrafos, directores de escena... que desarrollen su obra sobre estas bases fijadas por Gades.

Con respecto al archivo, muy importante para nosotros y lo más dificil de cuidar, pretendemos abrirlo a través de la red al estudio y la investigación. La Fundación ha hecho un esfuerzo enorme, prácticamente en solitario. Aunque ya hay parte inventariado y digitalizado -por ejemplo, el archivo de audio y de video ya lo está en su totalidad gracias a una ayuda del Ministerio de Cultura- queda mucho por hacer con el archivo de prensa y con el material fotográfico.

Un proyecto que tenemos en mente es iniciar una búsqueda a nivel mundial para recopilar todo el material de vídeo que, repartido por el mundo, estamos seguros que hay. Como ejemplo, encontramos en el archivo de prensa una referencia a que habían sido grabados unos ensayos de las partes bailadas del mítico Don Juan para una televisíon en Uruguay. Imagínate qué importante encontrarlo. Cuando conseguimos ponernos en contacto con ellos nos dijeron que los archivos se habían quemado en el año 89. Como esto, deber haber mucho. El contacto con la universidad será fundamental en este aspecto.

P.- ¿Qué media de representaciones realiza la Compañía Antonio Gades anualmente y qué procentaje de éstas se realiza en España?

R.- Una media de 95 representaciones anuales y un 18,5% se realiza en España. Este año, en cuanto a representaciones nacionales, la media sube algo porque estamos en el Teatro de la Zarzuela y en el programa pedagógico del Teatro Real, pero aquí cada vez nos es más difícil trabajar.

Me gustaría subrayar la labor pedagógica que desarrolla la Fundación, que tiene dos vertientes, una a través del programa Flamenco en el aula dirigido por Silvia Marín, destinado a ayudar a los profesores de enseñanza Primaria y Secundaria a introducir a sus alumnos en el conocimiento del flamenco, y otra en favor de la Danza Española que, bajo el título genérico de Movimientos, acerca a los más jóvenes a este estilo dancísitico. Este año coproducimos con el Teatro Real Movimientos 2: Danzar al aire español, dirigido por Hugo Pérez de la Pica y coreografiado por Mayte Chico, al que suma nuestro espectáculo anterior: Movimientos: La danza de la punta al tacón.

Gades con Carlos Saura

Ensayos de Fuego

Fuego

Gades y Cristina Hoyos, en Carmen

Gades con Pilar López

Gades con Liza Minelli

Antonio Gades, Stella Arauzo, Miguel Ángel Rojas

Para este Homenaje a Antonio Gades recogemos palabras de recuerdo de algunos que le conocieron bien, compañeros que le siguen teniendo presente.

Stella Arauzo. Primera bailarina, directora artística de la Compañía Antonio Gades.

Hablar sobre Antonio Gades cada día me resulta más complejo y de una enorme responsabilidad, dado que cuanto más ahondas en él, más cuenta te das de lo inmenso de su legado, como hombre, como bailarín y como creador. Me gustaría dividirlo así.
El hombre
Nos dio ejemplo de consecuencia con su forma de entender el trabajo.
Su honestidad con todo pero, sobre todo, consigo mismo.
Su fidelidad a sus propios caminos, sin dejar que nada ni nadie se los hiciera perder.
Su integridad como director, como compañero, como luchador por los derechos de los artistas.
Su conciencia de trabajador de la Danza, como a él le gustaba decirse.
El bailarín
Despojar de todo lo superfluo a la Danza para dar paso al sentimiento y a la esencia en la interpretación de los bailes y los personajes.
Trabajar la técnica al máximo, pero luego no usarla innecesariamente, dando sensación de absoluta sencillez.
Ser un gran estudioso de La Cultura con mayúsculas, en general y universalmente hablando.
Ser generoso con todos los que le rodeaban y con su pareja de baile, por supuesto, dando toda su energía y su luz, siempre a disposición de los demás.
El coreógrafo
Abrió caminos en la interpretación de los personajes desde la hondura, el interior, la sencillez y la facilidad aparente para llevar la dramaturgia y la literatura a los pasos de baile.
La forma de mover a los grupos, el equilibrio, la energía de vital importancia, los cambios de clímax y de escenas.
Quitar el tecnicismo en los bailes folclóricos y respetar al máximo la raíz del pueblo.
Estudiar la cultura de España y darle el punto dramático para subirla a los escenarios.
Inspirarse en otras artes (la pintura, la escultura, etc) para poder enriquecerse de todas.
Sus movimientos geométricos y de un sentido plástico increible, pero siempre puestos al servicio de la obra.
Su generosidad con el público, su medida de los tiempos de atención que hay en un patio de butacas.
Con un sentido teatral nato, aunque todo con un esfuerzo de años de trabajo, de estudio y donde no hay nada dejado al azar, todo está hecho así por una razón, que casi siempre es de una lógica aplastante.
Fue un gran intelectual de la Danza, donde el cerebro y el corazón latían al unísono.
Dejó caminos y conceptos para que muchas generaciones tuvieran inspiración y guía.
Único, universal, genial e intemporal.
Gracias por siempre, Antonio Gades.

Víctor Ullate. Bailarín, maestro, coreógrafo y director del Víctor Ullate Ballet.

A Antonio lo vi bailar teniendo yo 7 años y me impresionó su arte, su técnica, sus braceos... Tanto fue así que quise ser como él y bailar con su misma ligereza y formas. Durante un tiempo viví pensando en esa imagen del bailarín que yo quería ser.

Sólo ha habido 3 bailarines en mi vida que me han marcado realmente: Antonio Ruiz Soler, Rudolf Nureyev y Antonio Gades. Los 3 fueron mis grandes ídolos.

En su paso por Zaragoza (era un domingo, matinée), Antonio Gades me vio bailar y estaba tan entusiasmado con mi actuación que quiso hablar con mis padres para decirles que tenía mucho talento y que tenían que llevarme a Madrid. Eso era imposible para nosotros, pero mis padres me llevaron a la única academia que existía en Zaragoza, la de María de Ávila, y así empezó todo.

Más tarde, cuando nos nombraron directores de los ballets nacionales, coincidimos en más de una ocasión. Fue una época dura e ilusionante y ese cariño y admiración siempre se mantuvo.

Antonio Gades fue grande en su arte, un talento inigualable, como bailarín y como coreógrafo y el legado que nos ha dejado es inmenso. De sus ballets todos me han gustado pero, en especial, "Fuenteovejuna" y "Yerma" me parecen obras de arte.

Gracias por dejarnos tanta belleza, maestro. En mi recuerdo siempre perdura la imagen de la primera vez que te vi bailar. Gracias, Antonio!

Goyo Montero. Bailarín y coreógrafo.

" GADES, 10 AÑOS SIN ÉL"
Desde niño y mucho antes de conocerle Antonio fue toda una referencia para ese chaval que quería bailar. Luego el destino me hizo conocerle, compartir hermano, trabajar con él; y esa guía de línea dancistica, estilo y ética ha sido decisiva a lo largo de mi carrera.
Nuestras charlas y discusiones sobre danza, arte, política... a lo largo de los años consolidaron una fuerte amistad en la que compartíamos una misma idea: "que la Danza Española tuviera el respeto y el lugar que se merecía, como la Danza Clásica tiene en el mundo entero".
Él, a lo largo de toda su trayectoria, luchó por llevar la Danza Española a los mejores teatros del mundo. Siempre fiel a nuestro folclore, a nuestro flamenco y a nuestras raíces.
A día de hoy su trabajo, éxito y esfuerzo siguen siendo una meta a conseguir para bailarines, directores, coreógrafos y creadores en nuestro país.
Siempre mi respeto y admiración, COMPAÑERO.

Antonio Najarro. Bailarín, coreógrafo y director del Ballet Nacional de España.

Antonio Gades ha sido, es y será un ejemplo de lucha, dignificación y conciencia universal de una de las mayores expresiones culturales y artísticas de nuestro país, la Danza Española.
Su personalidad como creador son marca exclusiva de sus obras y de sus intérpretes, obras que son representadas por todo el mundo y que engrandecen nuestro arte como pocos lo consiguen.
Tras 10 años de su fallecimiento, el alma de Gades, sus enseñanzas y su sabiduría sigue presente en el BNE y en los corazones de todos los que vivimos por y para la danza.

José Huertas. Bailarín, coreógrafo y director de la Compañía Danza Mediterráneo.

Qué puedo decir de mi maestro, Antonio Gades. Mi gratitud por el legado tan grande que deja a todos los que, como yo, nos sentimos un poco como en la novela Siddharta, siempre en busca del gran maestro y, al final , lo encontré en él. Gracias por dignificar nuestra profesión, por su ética y sobre todo por su camino, que siempre sera el mío. Tener la posibilidad de ser un compañero más con él fue pura magia.

Aída Gómez. Bailarina, coreógrafa y directora de la Compañía de Danza Española Aída Gómez.

He tenido la suerte de trabajar directamente con Antonio Gades y fue todo un reto de concentración y exigencia. Con Antonio Gades no sólo tuvimos a un maestro creador con mayúsculas, también al modelo ideal del baile masculino español. Para mí, Antonio Gades ha sido el más influyente coreógrafo de la danza escénica española de nuestro tiempo.

Reportaje de la RAI sobre Antonio Gades.

Bodas de sangre

Fuenteovejuna

Carmen

Movimientos

Imágenes y vídeos cedidos por el Archivo de la Fundación Antonio Gades.

Cienfuegos reconoce también que la obra es un reto para los bailarines, tres mujeres y dos hombres, ya que exige alto rigor técnico y de ejecución, así como un compromiso a nivel artístico, “requiere contrastes muy radicales entre las dinámicas del movimiento”.

Sobre sus flamantes 15 años de trayectoria, ampliamente festejados en 2014, durante los que ha estrenado más de 20 piezas de diferentes formatos y ha recibido reconocimientos tan destacados como el Premio Nacional de Costa Rica, Yoshua Cienfuegos reconoce que es agotador. “En este camino acabas exhausto, y aunque celebrar años es importante las cosas deben cambiar, el esfuerzo debe otorgar una retroalimentación. Con las perspectivas actuales no se puede continuar, desgasta demasiado”, apunta refiriéndose al severo recorte y la situación agónica que padece el sector de la danza.
En marcha, sin embargo, y pese a la precariedad financiera, que no artística, afronta un 2015 interesante, que incluye la publicación en dos tomos de su metodología de trabajo, uno referido a la técnica y su aplicación pedagógica y otro al contenido artístico, con dvd de algunas de sus piezas incluido. Inicia también un taller de cinco meses con un grupo de 20 bailarines que se formarán e investigarán en torno al lenguaje sistematizado por el coreógrafo. Una vertiente, la de la transmisión de la metodología, que le llevará junto a otros dos profesionales a realizar una serie de talleres en Italia, Malta, Alicante y Asturias.

Pero sin duda uno de los proyectos a medio plazo que más ilusiona a Yoshua Cienfuegos es la creación de gran formato que en 2017 firmará para el uruguayo Ballet Nacional del Sodre que dirige Julio Bocca. Un especie de carta blanca en la que desplegar sin restricciones todo su torrente creador.

Puedes ver este reportaje en RTVE A la Carta:

Gelabert