Nace en el sevillano barrio del Cerro del Águila en el seno de una familia de tradición flamenca con la que debuta con sólo nueve años. Recibió formación de manos de maestros como José Galván y Manolo Marín. Pronto encuentra oportunidad de medir su valía, al quedar finalista del Concursos de Jóvenes Intérpretes de la Bienal de Sevilla 2002. Desde esa temporada, inicia una estrecha colaboración con la compañía de Antonio Canales, de la que es solista. Ya en 2004 estrena el espectáculo ‘Campallerías’ junto a su hermano, el también bailaor Rafael Campallo, en Sevilla. Poco después, se presenta en solitario en el Teatro Central de la capital hispalense. La bailaora formó parte de la compañía de Javier Latorre en la obra ‘Rinconete y Cortadillo’, de Farruquito en ‘Alma vieja’ y de Andrés Marín en ‘Más allá del tiempo’. En 2005 clausuró la VII Muestra Andaluza de Baile Flamenco en Granada.
También es una reputada profesora y participó en la colección didáctica ‘Ritmo Flamenco Rythm’. Durante 2006, participa en Flamenco Festival USA y Festival de Jerez, formando parte de la ‘Gala de Andalucía’ junto a artistas como Merche Esmeralda y Manolo Marín. En las últimas temporadas, destacan la grabación de un audiovisual para la firma norteamericana de audio BOSE con Juan Diego y Ángel Muñoz; y su colaboración como artista invitada del espectáculo de Rafael Campallo ‘Puente de Triana’, estrenado en el Festival Flamenco Mont de Marsan 2009. En solitario, gira dos producciones, ‘7 de mayo’ y ‘Horizonte’, presentadas en los Jueves Flamencos de Sevilla, los Veranos del Corral de Granada y el Festival de Jerez.
]]>Nueva York, 1905-1993
Importante figura de la danza americana, es recordada Agnes de Mille por su personal aportación al género del musical. Sin embargo, Broadway no fue escenario único de sus creaciones y compañías como el American Ballet Theater, estrenaron producciones de De Mille. Aficionada a la interpretación y el arte desde pequeña, cuando montaba con su hermana pequeños shows domésticos, no lo tuvo fácil Agnes de Mille para abrirse camino en la danza. Conseguir que sus padres la dejaran ir a clase de ballet, lo que consideraban poco serio, fue casi un milagro, y una vez empezó, las críticas de algún profesor por el sobrepeso que al parecer presentaba, tampoco se hicieron esperar. Ejemplo de constancia y seguridad pese a todo, Agnes de Mille se graduó en UCLA, se trasladó desde Hollywood a Nueva York, y realizó su primer trabajo como bailarina y coreógrafa en The black crook de Christopher Morley. Londres, donde recibió las enseñanzas de Marie Rambert, Antony Tudor y Frederick Ashton, fue la siguiente parada de Agnes de Mille. Y Black Ritual (1940), primera obra de danza con intérpretes de raza negra, su primer ballet creado para el American Ballet Theater. Sentó Agnes de Mille con el musical Oklahoma! (1943) un precedente en la historia del musical americano. Y durante la década de los cuarenta, se convirtió en referente de este género con obras como One touch of venus (1943), Carousel (1945) y Brigadoon (1947), entre otras. Autora de ballets como The bitter weird (1962) y The wind in the mountains (1965), libros como To a young dancer (1962), The book of the dance (1963) y Lizzie Borden dance of death (1968), Agnes de Mille continuó su actividad profesional casi hasta el año de su desaparición en 1993. Una intensa vida dedicada a la danza que la creadora publicó en dos volúmenes de autobiografía: Dance to thepiper (1952) y And promenade home (1958).
]]>San Petersburgo, 1879-1951
Bailarina, profesora y directora de ballet, es recordada Agrippina Vaganova como una de las mejores maestras en la historia de la danza clásica. Sentó las bases de un nuevo estilo interpretativo que acuñó bajo el nombre del `Método Vaganova´. Ayudó a estructurar el aprendizaje del ballet clásico y figuras como Nijinsky, Nureyev, Makarova o Baryshnikov, estudiaron sus enseñanzas a conciencia. Impartido por primera vez este método en la Universidad de Loyola, acabaría por aprenderse en su propia sede, la Academia Vaganova, vigente en la actualidad y originariamente Escuela Coreográfica de Leningrado (1734).
Técnica clásica, puntas, repertorio, adagio, técnica para hombres, paso a dos, danza de carácter, histórica y de corte, eran los principales elementos que componían la doctrina de Vaganova. Y elementos de la escuela francesa, italiana y rusa, convivían en el personal estilo de la profesora y bailarina. Lo desarrolló desde el comienzo de su trayectoria, y tal vez por lo vanguardista de sus interpretaciones, no consiguió la intérprete rusa el título de bailarina hasta el año 1915, dieciocho años después de haberse graduado en la Escuela del Ballet Imperial Ruso, y un año antes de su retirada. El lago de los cisnes (1933) y La Esmeralda (1935), los dos ballets donde mejor constancia quedó del estilo Vaganova, conocida como "La reina de las variaciones". Desde 1917 a 1951 fue maestra del Kirov Ballet, que también dirigió de 1931 a 1937.
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Madrid, 1967
Formada en Danza Clásica y Clásico Español, la bailarina y coreógrafa Aída Gómez se presenta como una de las artistas más destacadas y de más proyección internacional en la danza española actual. Su paso por el Ballet Nacional de España, figura como decisivo en una trayectoria de memorables actuaciones. En él ingresó de la mano de Antonio el Bailarín en 1982, y en él encarnó, casi desde un principio, los papeles principales de principales obras. Don Juan, Carmen y Bodas de Sangre, donde brilló especialmente junto a Antonio Gades, son algunos de los muchos ejemplos interpretativos de esta bailarina.
Entre 1998 y 2001 se hizo cargo del Ballet Nacional de España convirtiéndose en la directora más joven de esta compañía y estrenando montajes como Silencio Rasgado (1998) y Mensaje (1998). Su intervención en el largometraje de Carlos Saura Salomé (2002) y las numerosas invitaciones recibidas en calidad de estrella por parte de galas y compañías, dan forma a la popularidad de una bailarina y coreógrafa que encuentra el apoyo del público tanto fuera como dentro del país. Al frente de su Compañía de Danza Española, Aída Gómez firma trabajos como Suite Española (2003), Carmen (2006), Permíteme bailarte (2008) y Adalí (2012) y ha recibido galardones como el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Interpretación en 2004, Premio Juan Bravo a la mejor intérprete (2009), el Premio de la Cultura de la Comunidad de Madrid 2008 y la Gran cruz de la Orden del Dos de Mayo 2015.
En 2015 fue nombrada directora del Festival Internacional Madrid en Danza y en 2016 del Festival Suma Flamenca.
Aimar Pérez Galí desarrolla su práctica artística en el campo de la danza y las artes en vivo como bailarín, coreógrafo, investigador, pedagogo y escritor, siempre entendiendo el cuerpo como lugar de referencia y la danza no como un fin en sí mismo sino como una herramienta de transformación crítica.
Estudió danza contemporánea en la Escuela Superior de Artes de Amsterdam (Holanda) y ha cursado el master en teoría crítica y estudios museológicos en el Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) / Universitat Autònoma de Barcelona (UAB).
Es co-fundador y director de Espacio Práctico desde 2010; forma parte del equipo docente del Departamento de Coreografía e Interpretación del Conservatorio Superior de Danza del Institut del Teatre de Barcelona desde 2014; y desde 2017 coordina el grupo de lectura ¡Encarna! en el MACBA.
Su trabajo transita por la investigación sobre les relaciones entre danza, pedagogía, historia y el desarrollo de nuevas metodologías hacia la práctica escénica. Entre sus últimos trabajos destacan _è p i c a_, The Touching Community, la conferencia performática Sudando el discurso: una crítica encuerpada, del cual ha recibido el Premio Arts Libris 2016 con la publicación homónima.
Ha colaborado y colabora con creadores como Xavier Le Roy, Cuqui Jerez, Dora García, Nicole Beutler, Nora Heilmann, Andrea Boziç, David Zambrano y Silvia Sant Funk, entre otros.
Ha sido jurado del Premio de Artes Visuales Miquel Casablancas 2013 y del Premio Ciutat de Barcelona / Danza (2015), y desde 2016 forma parte del Consejo de Cultura de Barcelona como persona de reconocido prestigio.
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Emergente creadora de la escena actual, contiene Ainhoa Sarmiento una ecléctica formación dibujada por la danza clásica y la contemporánea. Titulada Superior en Coreografía e Interpretación de danza contemporánea por el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila,es profesora de Análisis de Repertorio en el CSDMA, dirige la compañía XSiAcaso, es presidenta de ECSA (Asociación de Exalumnos del Conservatorio Superior de Danza de Madrid), directora del Certamen de Microdanza, y profesora de danza clásica y contemporánea para niños y adultos en la escuela de Arte Jimena Salas.
Se cultivó en el ballet clásico en el Estudio María de Ávila entre 1992 y 1996. Y se adentró en preceptos más contemporáneos un año después cuando se marchó a Holanda para realizar un curso de `New Dance´ y composición en el European Dance Develepment Centre. A partir de ahí, continuó su formación en la ODC de San Francisco, en la austríaca Tanz Wochen Wien, y en diversos cursos de danza, coreografía, voz y expresión que Ainhoa Sarmiento ha realizado con Elena Córdoba, Carlos Marquerie, Víctor Ullate, Ana Buitrago y Teresa Nieto, entre otros.
Pero también se ha formado esta joven artista en teatro, participando en algunas obras de pequeño formato. Como bailarina, Ainhoa Sarmiento ha formado parte de las compañías de Dani Pannullo y Aracaladanza, entre otras, y ha bailado con grandes de la escena como Baryshnikov.
Como creadora, firma las obras Exposure (2001), vídeo danza dirigido, interpretado y montado por ella; Los ojos tapados (2000); Why do I dance? (1998) y Prefiero perderme en el bosque (2006). Desde 2007 dirige su propia compañía `XSiAcaso´ con la que ha estrenado la obra A la de cuatro... te abrazo, ganadora del segundo premio del Certamen de Alcalá de Henares.
Ainhoa Sarmiento, profesora de contact-improvisación en los Estudios de Carmen Senra y el Navegatorio, también preside `Invasión Danza´, iniciativa que procura la promoción de la danza en nuestro país, proponiendo la ocupación dancística de espacios públicos.
Autora del libro 101 Ejercicios de Danza Contemporánea para niños y jóvenes, publicado por Ediciones Tutor.
Pamplona, 1990
Comenzó a bailar breakdance de manera informal con sus amigos. Con los años, comenzó a competir, obteniendo más de 60 premios en España, Francia y Austria. A los 23 años inicia una transición a la danza contemporánea y las artes escénicas. Realizó el dueto ‘Azala’ de la empresa Jordi Vilaseca. Después de recibir la Beca Artística Principal de Navarra, realizó sus estudios artísticos en SEAD (Academia Experimental de Danza de Salzburgo).
Ha trabajado con las compañías Hungry Sharks en ‘Hidden in Plain Sight ‘, con la compañía de Francisco Córdova Physical Momentum, en la obra ‘To be’; con Roberto Oliván Performing Arts en su producción ‘Cuculand Souvenir’, y creó ‘Ahotsak’ con Ziomara Hormaetxe. También creó su propio solo ‘Home’, con el que giró durante dos años, y el dúo The Inglorious Fortune of Being a Performer.
Trabajando con Lali Ayguadé en la creación del dúo ‘Gizaki’ y de la gran producción ‘Hidden’; con Chey Jurado en la creación del dúo ‘Hito’; con la compañía suiza Idem crea un solo sobre él a principios de 2021. Combina sus actuaciones con talleres en todo el mundo.
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Londres, 1974
Su primer contacto con el movimiento se produjo a través de la danza bengalí, y este hecho, y este baile, marcarán profundamente su trayectoria creativa.
Joven y prestigioso coreógrafo de la danza internacional, atesora Akram Khan exitosas y galardonadas creaciones. Conocedor y estudioso de danzas hindúes, descubrió la contemporánea cuando en 1994 se marchó a la Montfort University, para dos años más tarde completar su formación en la Nothern School of Contemporary Dance de Leeds. Estudió entonces técnicas como la Graham, Cunningham y Alexander, entre otras.
Su primera creación, el solo Loose in flight (1995), despertó tanta sorpresa como interés dejando ver el ecléctico lenguaje de Khan, de trazos dancísticos multiculturales. Se ha rodeado en varias ocasiones a la hora de trabajar, de diversos artistas, músicos, escritores, coreógrafos y bailarines, con los que perfila obras y fructíferas colaboraciones. Kassh (2002), nombrado ese año mejor espectáculo de danza en Francia, con música de Nitin Sawhney y diseño del escultor Anish Kapoor, y A God of small tales (2003), donde colaboró con el artista Hanif Kureishi, son algunos ejemplos. Otras obras de Akram Khan son Zero degrees (2005), creada junto al coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui, Sacred monster (2006), dúo que interpreta junto a Sylvie Guillem, Gnosis (2009), Vertical road (2010) y el solo Desh (2011).
Khan y su compañía de danza actuaron en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012.
En 2016 dirigió una coproducción de 'Giselle' del English National Ballet y Sadler's Wells Theatre, que se estrenó en el Festival Internacional de Manchester.
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La relación del músico y artista multimedia Alain Baumann con la danza, es fruto del trabajo de investigación que viene realizando desde hace años junto a la performer y coreógrafa Rosa Sánchez, al frente de una agrupación donde se busca la confluencia de arte, ciencia y nuevas tecnologías. Se trata de Kònic thtr, plataforma artística con sede en Barcelona con más de veinte años de trayectoria artística, donde la danza y la tecnología conviven como el resultado de una profunda tarea de investigación sobre nuevos lenguajes basado en el eclecticismo disciplinario. Desde 1990, Rosa Sánchez y Alain Baumann coordinan y dirigen las actividades de esta plataforma de creación en la que también se impulsa, a través de sus proyectos, el encuentro y la colaboración con otros artistas, invitados a compartir propuestas creativas o de investigación. Algunos de los últimos trabajos de Kònic thtr son A d´Aigua, Cherry bone, NoLugares y VDactil.
Comenzó su andadura como bailarín en Ereintza Dantza Taldea, de Errenteria. Ha recibido la formación en danza tradicional en este grupo de danzas y en la Escuela de Musica y Danza Errenteria Musikal. Ha participado en numerosas actuaciones de danza en el País Vasco y el extranjero. Entre otros, ha participado en festivales de folclore en Irlanda, Francia, Turkia, Austria… Hoy en día sigue siendo miembro y bailarín de Ereintza Dantza Taldea.
Además de su trabajo de bailarín, ha realizado estudios de Periodismo en la UPV.
Desde el año 2001 es bailarín de la Compañía de Danza Kukai, y ha participado en los espectáculos: 1937’, ‘Otehitzari Biraka’, ‘Laidos’ y ‘Hnuy Illa…’.
Ha conseguido varios premios en campeonatos de aurreskularis. Por ejemplo, fue Campeón de Gipuzkoa de Aurresku juvenil en el año 2001.
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Licenciado por la universidad de Berklee College of Music (Boston, Estados Unidos) y el ESMUC (Escuela Superior de Música de Cataluña, Barcelona), diplomado por el Musicians Institute London (Londres, Reino Unido) y en proceso de obtener el título de Doctor por la Universitat de Barcelona. Ha trabajado diez años en Londres, Reino Unido.
Como intérprete ha colaborado con grupos y artistas de varios continentes: Modern Romance (banda sonora Shrek), Chi 2 (Moby), Estopa, Juanito Makandé, Alec Dankworth Spanish Accents, Lluís Coloma Trío, Mezcla de Londres, y con algunos de los percusionistas más reconocidos de nuestros tiempos Giovanni Hidalgo, Dave Weckl y Luis Conte. En el campo de la danza y el teatro ha sido compositor y/o intérprete con Hofesh Shechter Dance Company, Flamenco entre tres, Cia. Eva Vilamitjana, Alkora y Malumaluga.
En el área docente ha enseñado, dirigido y creado los programas pedagógicos de los departamentos de percusión del Conservatorio Superior del Liceu (Barcelona), London Center of Contemporary Music (Reino Unido) y L’Aula (escuela asociada a Berklee College of Music en Barcelona). Ha escrito artículos pedagógicos mensuales en la revista Drummer (Reino Unido).
También ha impartido clases de composición y arreglos en la Universitat Autònoma de Barcelona, en el London College of Creative Media (Reino Unido) y clases para bailarines en la Royal Academy of Dance (Reino Unido).
Formado en distintas disciplinas de danza (clásica, española, danza histórica, folclore, jazz, contemporáneo) y diplomado en arte dramático, Alberto Arcos es un artista versátil: bailarín y actor con sólida experiencia profesional, además de coreógrafo, ayudante de dirección y asistente de movimientos de escena y de actores.
Ha desarrollado una carrera profesional participando en proyectos muy diversos (danza, cine, teatro, ópera, musicales, danza-teatro o televisión). Ha tenido la oportunidad de subirse a los escenarios más importantes teatros de España e internacionales (Nueva York, Miami, París, Londres, Moscú, Puerto Rico, Italia...), con reconocidos directores como Paco Suárez, Jerôme Savary, Diane Paulus, Hugo de Ana, Randy Weiner, Fernando Argenta, Gustavo Tambascio, Hugo Pérez de la Pica, Ramón Salazar, Francesca Zamballo, Ara Malikian, Lidia Rodríguez o José Carlos Plaza; y con destacados coreógrafos como Michelle Man, Juan Carlos Santamaría, Denisse Perdikidis, María José Ruiz Mayordomo, Pedro Azorín, María Rosa, Consuelo Cano, José Manuel Esteller, Myriam Benedited, María Torres, Ofelia Mastella, Marisol Rozo o Beatrice Massin, entre otros.
Especializado en danza histórica, Alberto Arcos comenzó su formación en esta disciplina con la maestra María José Ruiz Mayordomo, referente y maestra de este tipo de danza en España, ampliando sus estudios en distintas partes del mundo como París, Londres, Nueva York o Suecia, para aprender de maestros de la talla de Marie Geneviève Massé, Béatrice Massin, Catherine Turocy, Hubert Hazebroucq, Giles Poirier, Robert Le Nuz, Lena Cerderwal Broberg, Natalie Van Parys, Stéphane Quéant, Bernadette Jacquet, Gloria Giordano o Sara Barreby.
]]>Dedicado a la danza desde hace más de dos décadas, contiene Alberto Estébanez una trayectoria ecléctica y decisiva, donde el apoyo y la difusión de este arte, figuran como principales protagonistas. Se inició en ella como autodidacta y en su vertiente más disco, y estudió danza contemporánea con Gerad Collins en Francia y Arnaldo Patterson en Cuba. Titulado en danza clásica también, por la Escuela Profesional de Madrid, comienza pronto a interesarse por la creación y a montar sus primeras obras bajo el amparo de la compañía BC-Bu SL Producciones de Danza, que crea junto a dos alumnas. Algunas de las producciones de aquella época son Ovolos, Evita, Entropía, Loca, In Vivaldi y Encuentros. Interesado por otras facetas de la danza, implanta dos años más tarde en Burgos, el Centro Autorizado de Danza Hélade que él mismo dirige, y en 1999, y tras su encuentro con Kazuko Hirabayashi, surgen nuevos proyectos como diversas colaboraciones coreográficas y el actual Certamen Internacional de Danza Burgos-Nueva York, celebrado cada verano en la ciudad burgalesa. Una cita con la danza más emergente de dentro y fuera del país, de donde han salido destacados intérpretes y creadores. En su afán por estimular el panorama dancístico, Alberto Estébanez ha apadrinado otros proyectos como La danza y su pequeño público, programa didáctico para niños, y el International Summer Dance in Spain. Proyectos que Alberto Estébanez ha reunido bajo una sede oficial, Ciudaddeladanza. Estébanez ha regresado a la coreográfia con el estreno de la obra Ping Ball.
]]>México DF, 1971
Referente de la escena madrileña más subversiva, se presenta Alberto García como inquieto creador a medio camino entre la danza, el teatro y la performance. Se mueve en el extrarradio de lo convencional y sus propuestas de lenguaje mixto, gustan de humor insurrecto y riesgo escénico. Desde 1997 dirige El Curro DT. Una agrupación que funciona más como colectivo que como compañía, donde sus integrantes son a la vez actores, bailarines, taquilleros, cantantes, técnicos, oficinistas, contables, friegasuelos, recogevasos y creativos, y con la que ha puesto en marcha más de quince montajes, talleres, ciclos, y un espacio propio, el DT Espacio Escénico, donde tienen cabida arriesgadas propuestas propias y ajenas. De todas ellas destaca el montaje Por una manzana, siete historietas cómico sexuales para cuatro pollas y dos coños, divertimento humorístico y pornoescénico con el que llevan más de 700 representaciones desde su estreno en 1998. La insigne monja Jerónima (1997), Decalogía de la copla (2001), Lorca era maricón (2003) y Juego de niños, otros de sus espectáculos. Licenciado en Arte Dramático por la Universidad Nacional Autónoma de México y formado en danza contemporánea, que cultivó en México y la Escuela de Martha Graham de Nueva York, Alberto García ha trabajado con la Compañía Nacional de Danza de Costa Rica, donde interpretó una veintena de espectáculos y coreografió sus primeros trabajos como Susana San Juan (1994).
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