El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) presentó el miércoles 11 de septiembre de 2024 dos nuevos libros dedicados a la danza: El Repertorio del Ballet Nacional de España (1978-2023) y Antonio Gades y los clásicos, editados por el Centro de Documentación de las Artes Escénicas y de la Música (CDAEM).

Durante la presentación -acto presidido por la directora general del organismo, Paz Santa Cecilia, en el que también intervinieron la directora del CDAEM, Marina Bollaín; la directora del Teatro de la Zarzuela, Isamay Benavente; y el director del BNE, Rubén Olmo- se destacó la importancia de estas publicaciones para el sector.

“El Ballet Nacional de España es un embajador de nuestro patrimonio inmaterial, con un legado que es necesario proteger y difundir, a la vez que el Ballet avanza y explora nuevos caminos artísticos”, aseguró durante su intervención Santa Cecilia, quien añadió que "el BNE es un orgullo y una compañía singular que ha logrado acercar a todo tipo de públicos a sus creaciones, girando por toda España y por el extranjero, con especial énfasis en las nuevas generaciones”.

Los fondos documentales del CDAEM han hecho posible elaborar la primera de las publicaciones, El Repertorio del Ballet Nacional de España (1978-2023), una completa recopilación del repertorio histórico del BNE compuesto por 143 obras, que aborda desde su primer montaje, Bodas de sangre, al más reciente, Afanador. El libro, editado por Fuensanta Ros Abellán, permite conocer con detalle cada producción y a sus creadores en las distintas áreas de autoría: coreografía, música, guion, dirección escénica, figurines, escenografía y diseño de iluminación. La publicación pone en valor el trabajo de los autores y de los profesionales que contribuyeron a la puesta en escena de este repertorio histórico.

La incorporación del archivo de la Fundación Antonio Gades a los fondos del CDAEM ha sido fundamental para la edición de Antonio Gades y los clásicos, ya que han aportado material imprescindible para la edición de esta monografía coordinada por Ana Fernández Valbuena –durante su etapa al frente del CDAEM- y por la investigadora del Centro, Berta Muñoz.

Antonio Gades y los clásicos analiza en profundidad la importancia de la figura del bailarín en la incorporación de la danza narrativa al repertorio del BNE, así como algunas de sus creaciones más relevantes (Don Juan, Carmen y Fuenteovejuna), que aparecen en el libro ilustradas con abundante material gráfico.

La publicación incluye una serie de estudios y una entrevista con María Esteve y Eugenia Eiriz, presidenta y directora general de la Fundación del bailarín, respectivamente, que ofrecen una visión personal y profesional de la figura de Antonio Gades y, en concreto, de la singular fusión de teatro clásico y danza en sus ballets narrativos.

El acto contó con la actuación de la bailarina del BNE Estela Alonso junto al pianista Ramón Grau.

Las publicaciones están disponibles para su compra en la librería del INAEM y se pueden leer en la web del CDAEM.

El podcast Vivo bailando tiene como protagonistas a cinco inspiradoras artistas del mundo de la danza: Poliana Lima, Luz Arcas y las Premios Nacionales de Danza Olga Pericet, Rocío Molina y María Pagés. Cinco mujeres que son ya historia de la creación coreográfica en nuestro país y referentes internacionales de este arte. Cada capítulo condensa una conversación de cinco minutos en la que las creadoras comparten con la periodista Olga Baeza los secretos del poder transformador de la danza y su transcendencia en la sociedad.

Los cinco episodios de esta primera temporada visibilizan en primera persona la aventura de una vida dedicada a la creación con sus riesgos, sus temores y sus alegrías. Y, también, con sus consejos para las nuevas generaciones.

Vivo bailando es una iniciativa de la agencia de comunicación CULTPROJECT en colaboración con el Ministerio de Cultura, Radio Nacional de España y el Parlamento Europeo.

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Arranca el presente año con el Centenario de Luis del Río Muñoz (1923- 1994), cordobés, bailarín y precursor de las Enseñanzas Oficiales de Danza en Córdoba y en Andalucía.

Tras una vida profesional de 17 años satisfaciendo sus objetivos formativos- con los maestros más acreditados de la época- y artísticos bailando en diferentes ballets-compañias dentro y fuera de España, regresa a su ciudad natal donde desarrolla una intensa vida académica, única, sin antecedente alguno, pues él fue el precursor de unas enseñanzas oficiales inexistentes antes de 1966. Algo genuino en la época, el primero que en Andalucía certificaba estudios conducentes a titulación en Danza Española, y de los pocos existentes en el país, cuyos programas de estudios le valieron el reconocimiento de acreditados profesionales como la familia Pericet, Dña. Laura de San Telmo, D. Pedro Azorín, D. Juanjo Linares, D. Juan Morilla, Dña. Pacita Tomás, D. Joaquín Villa, Dña. Matilde Coral y un largo etcétera, con los que mantuvo relación de profesión y de amistad, pero sobre todo por reconocidas maestras como fueron Dña.
Tona Radely y Dña. África Guzmán, que por diferentes medios escritos coinciden en la catalogación del profesor, y su buen hacer pedagógico.

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UN PAÍS EN DANZA, idea original de Antonio Najarro, cumple con el objetivo del ente público de divulgar la cultura en general y los valores particulares que como sociedad nos colocan como referentes a nivel internacional. Con la emisión de su segunda temporada se vuelve a dar visibilidad a una disciplina y a unos valores, que más allá de la expresión artística, está presente en otros entornos y disciplinas profesionales. Esta segunda entrega vuelve a dejar patente, por el nivel de sus invitados, la relevancia de los profesionales de la danza que año tras año nuestro país “ofrece” al mundo de la cultura, profesionales que agotan entradas en los centros culturales más prestigiosos del mundo.

La danza española y sus variedades están muy presente en esta temporada, en la que se puede conocer desde las raíces de nuestras tradiciones y de cómo, desde el respeto, han evolucionado hasta nuestros días gracias al compromiso de dantzaris como Jon Maya, sorprendiendo más allá de nuestras fronteras, experimentando e innovando como Manuel Liñán, Rocío Molina o Eva Yerbabuena. Donde la fusión mejora el concepto, como lo demuestran bailarines como Jesús Carmona o Chevi Muraday en sus interpretaciones.

Un país en danza es un compromiso con la disciplina y por dar cabida a quien a lo largo de su vida así lo ha entendido. Si en la primera temporada tuvo “decanos” del arte, como fue el caso de Carlos Saura, en la segunda cuenta con exponentes de otras épocas, como es el caso de Rafael de Córdova. Sin olvidar a aquellos representantes que triunfan al frente de compañías fuera de España, como es el caso de Lucía Lacarra o Iratxe Ansa e Igor Bacovich. Pero también es un compromiso por acercar estos valores al gran público, de ahí que en esta temporada cuente con invitados como Javier Castillo, “Poty”, un referente de la danza que ha sabido “colarse” en entonos menos técnicos, pero necesarios para alcanzar este propósito.

Así como en la primera temporada dio cabida a otras disciplinas, ajenas a la danza, pero en las que esta está muy presente, esta entrega da cabida a los oficios que hacen posible que esta expresión corporal alcance sus máximas cotas. De este modo, poner en valor a un sector que ha sufrido en primera persona las consecuencias de una pandemia que, en la mayoría de los casos, los relegó a un punto muerto en sus respectivas actividades. Sin olvidar a aquellas iniciativas que reivindican la danza como patrimonio cultural de nuestro país y elemento integrador, como es el caso del Festival de Jerez o del Psicoballet Maite León.

UN PAÍS EN DANZA es una producción de RTVE en colaboración con la productora KROMA QUITE ON, que se emitió del 3 de octubre al 5 de diciembre, todos los lunes a las 20:00h por La2 de Televisión Española.

Accede a todos los episodios de Un país en danza 2ª temporada aquí.

Manuel Liñán e Isamay Benavente

Iratxe Ansa e Igor Bacovich (Metamorphosis Dance)

Jon Maya

Chevi Muraday

Lucía Lacarra

Jesús Carmona

Rocío Molina

Javier Castillo 'Poty'-

Eva Yerbabuena

Rafael de Córdova

El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, organizaron una conmemoración muy especial para celebrar el Día Internacional de la Danza, 29 de abril,en 2022, a través de un streaming por la paz, que unió coreografías del Ballet Nacional de España (BNE) y de la Compañía Nacional de Danza (CND) con el mensaje de condena a las atrocidades de la guerra que simboliza el Guernica (1937) de Pablo Picasso. La sala 206 del Edificio Sabatini nunca se había abierto antes para acoger un espectáculo coreográfico de estas características que, por primera vez, unió a las compañías nacionales de danza en una propuesta artística conjunta frente a esta obra universal.

La emisión del programa se realizó en directo el propio viernes 29 de abril, Día Internacional de la Danza, y permanecerá en el Canal Youtube del INAEM.

El programa, que incluye dos obras de estreno, se abrió con el estreno absoluto de la pieza Sombras, coreografiada especialmente para esta efeméride por el asistente de dirección artística del BNE, Miguel Ángel Corbacho, sobre la composición «Racheo», de Raúl Domínguez. Le siguieron las coreografías de Ricardo Amarante Fear y Loss, interpretadas por bailarines de la CND sobre los temas «Ne me quitte pas», de Jacques Brel, y «Mon Dieu», de Charles Dumont, ambos con arreglos musicales a cargo de Nataliya Chepurenko. El programa se cerró con Sangre de toro, creada por el director del Ballet Nacional, Rubén Olmo, sobre la «Bulería» de Diego Losada; y la pieza de estreno, montada para esta conmemoración, titulada Guernica, también con música de este compositor.

Coincidiendo con la conmemoración de los 85 años del ataque la localidad vizcaína de Guernica –bombardeada el 26 de abril de 1937-, esta iniciativa reivindica un mensaje de concordia y solidaridad a través del lenguaje universal de la danza. En palabras del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta “unimos por primera vez a nuestras dos compañías nacionales de danza frente a un símbolo universal de paz, como es el Guernica, para que el talento y la dedicación de nuestros bailarines y la singular expresión de la danza en sus diferentes estilos nos reconforten con su mensaje de confraternidad, belleza y esperanza.” El director del BNE, uno de los impulsores de esta iniciativa, subrayó que “hemos querido expresar mediante el baile el sufrimiento que causan las guerras y nuestro rechazo a que vuelvan a suceder hechos como este”. Por su parte, Joaquín De Luz, al frente de la CND, destacó que “la danza es un idioma universal que nos conecta como seres humanos. Crea lo opuesto que la guerra, que es destrucción y separación”.

Los bailarines que interpretaron este programa por la paz son Inmaculada Salomón, Miriam Mendoza, Débora Martínez, Aitana Rousseau, Cristian García, Álvaro Gordillo, Matías López, Adrián Maqueda, Álvaro Marbán, Alfredo Mérida, Áxel Galán y Manuel del Río, del Ballet Nacional de España; y Alessandro Riga, Cristina Casa, Anthony Pina, Giada Rossi, Ion Agirretxe y Pauline Perraut, de la Compañía Nacional de Danza.

Fue un año raro para la danza y para la vida. 2021 será recordado como el año que seguimos en pandemia y (casi) todo lo ocurrido estuvo condicionado por el coronavirus. No obstante, hubo estrenos, triunfos y logros. El bailaor y creador catalán Jesús Carmona, que venía de ganar el Premio Nacional de Danza 2020, se hizo con el muy prestigioso Benois de la Danse, y Marcos Morau y su compañía La Veronal conquistaron con su sorprendente creación Sonoma el Palacio de los Papas de Aviñón, una de las plazas europeas de más prestigio.

Dos mujeres, artistas de muy distinta tendencia, consiguieron el Premio Nacional de Danza: Sol León, por sus años como coreógrafa para el NDT holandés, y la bailaora Patricia Guerrero, por su interpretación en La Bella Otero. Aún aporreadas por la pandemia, las dos compañías oiciales intentaron enderezar sus planes frustrados. El Ballet Nacional de España mantuvo el tipo y Rubén Olmo, su director, consiguió estrenar Invocación, la citada La Bella Otero y un homenaje a Antonio, el bailarín, en su centenario. Desde la Compañía Nacional de Danza destaca el estreno de In Paradisum, creación delirante encargada a Antonio Ruz, quien, a su vez, sorprendió con su personal reconstrucción deLa noche de San Juan, ballet catalán perdido y nunca estrenado por Los Ballets Rusos de Montecarlo.

Aunque se estrenó el año pasado, fue en este 2021 cuando la producción La muerte y la doncella, del Institut Valencià de Cultura, con coreografía de Asun Noales, cobró protagonismo al arrasar en los Premios Max y los principales galardones escénicos de Valencia. Del resto de la producción nacional, cabe mencionar la culminación del ambicioso proyecto de Juan Carlos Lérida La liturgia de las horas,un solo de flamenco contemporáneo de 12 horas de duración. También destacables Opening Night, otra vez de La Veronal, y Made of Space, de Guy Nader & María Campos.

Pese a las restricciones internacionales, consiguieron visitar distintos teatros y festivales codiciadas producciones internacionales de gran envergadura. Tal vez la más relevante fuese el estreno mundial en Teatros del Canal (Madrid) de La consagración de la primavera, de Pina Bausch, por parte de una treintena de bailarines africanos. A destacar también la presencia de Dimitris Papaioannou, Peeping Tom, Acosta Danza, Maguy Marin, Carolyn Carlson, Deborah Hay, el Ballet Béjart Lausanne en el Festival de Peralada o, entre otros, el Ballet de Lorraine con la reconstrucción de obras de Cunningham, en el Mercat de les Flors.

El mundo lamentó la muerte de grandes estrellas: Carla Fracci, Jacques d’Amboise —el favorito de Balanchine—, Ismael Ivo, Patrick Dupond, Raymund Hoghe, o la pionera de la danza posmoderna Anna Halprin. También el suicidio del prometedor coreógrafo Liam Scarlett, tras acusaciones de abuso sexual en la Escuela del Royal Ballet londinense. Triste e incomprensible es también la desaparición del Mes de Danza de Sevilla, un festival histórico que jugó un papel relevante en la formación de un movimiento de danza contemporánea en Andalucía. Otra pérdida lamentable.

Publicado en Babelia de El País, el 11 de diciembre de 2021, por Omar Khan.

La danza y sus valores llegaron a La 2 de RTVE en la temporada 2021/22 con el programa ‘Un país en danza’, presentado y dirigido por el bailarín, coreógrafo y exdirector del Ballet Nacional de España Antonio Najarro, acompañado en cada entrega por estrellas de la danza de todos los géneros y figuras de otras disciplinas.

‘Un País en Danza’ es un programa documental, producido por RTVE en colaboración con Kroma Quite On, en el que primeras figuras de la danza y otras manifestaciones artísticas muestran el mundo de la danza desde diversos ángulos, con un doble objetivo: lograr visibilidad y difusión para esta disciplina a través de un soporte de máxima calidad para todos los públicos.

Antonio Najarro ha expresado su felicidad “porque los valores reales de la danza se reflejen en la televisión pública”. “Con invitados de excepción, que hablan de lo que significa la danza, vamos a ver cómo puede engrandecer a muchas artes”, explicó. “La danza no tiene trampa ni mentira. Es repetición, constancia, sacrificio. Me ha aportado disciplina, sentido del respeto y orgullo de pertenecer a España. Y quiero que la gente se enganche, se emocione, sepa cómo empezaron Nacho Duato, Rubén Olmo, Sara Baras, Joaquín de Luz o María Pagés, o vean bailar a Ona Carbonell o Javier Fernández”.

Además de la música, la coreografía, la pintura y la literatura, consideradas “las cuatro artes del baile”, las producciones actuales suman otros recursos escénicos como el diseño de vestuario, la iluminación o la escenografía, que implican la presencia de otros profesionales. A su vez, la danza aparece como aliada en el teatro, la moda, la ópera y en otras disciplinas artístico-deportivas como el patinaje artístico sobre hielo, la natación sincronizada o la gimnasia rítmica. De esta confluencia de artes surge un diálogo enriquecedor que se refleja en cada uno de los capítulos.

En cada capítulo, se trata un concepto o un valor. Antonio Najarro, arropado por una figura de la danza y/o una personalidad de otra disciplina, ejemplifica y desarrolla ese concepto, después de visitar sus lugares de ensayo o entrenamiento, conversar y profundizar en esos valores. Por ‘Un País en Danza’ pasan representantes de la danza española en todos sus estilos, como Rubén Olmo, director del Ballet Nacional de España desde 2019, y del baile clásico, como Joaquín de Luz, actual director de la Compañía Nacional de Danza. La danza urbana está representada por Dani Pannullo; la contemporánea y neoclásica, por Nacho Duato y Blanca Li; el flamenco, por Sara Baras, María Pagés y Blanca del Rey.

Y como exponentes de otras disciplinas están Ona Carbonell (natación sincronizada); Teresa Helbig, Juan Duyos y Paul Oteyza (moda); Alberto Conejero (dramaturgia); Javier Fernández (patinaje artístico sobre hielo); Ara Malikian y Luz Casal (música); Carlos Saura (cine); o Blanca Pons Sorolla (pintura). Todos han tenido contacto con la danza a lo largo de su vida artística y en ‘Un País en Danza’ cuentan cómo ven y cómo sienten este arte. Testimonios de personajes de gran relevancia en el mundo artístico y deportivo de nuestro país, que no pertenecen directamente al mundo de la danza, pero que nos permiten comprender algo más de este arte a través de sus miradas.

Puedes ver los 8 programas de Un país en danza en RTVE Play: www.rtve.es/play/videos/un-pais-en-danza.

"Resulta que yo creo que hay un pecado capital y ése es la mediocridad". Martha Graham

La introducción de la técnica Graham en México se dio hacia 1939 a través de una de sus discípulas: Anna Sokolow, quien es considerada pilar antecedente del Movimiento Mexicano de Danza Moderna. Desde esta fecha, la técnica Graham fue tomando fuerza hasta instaurarse en el currículo básico de los diferentes centros de formación profesional de danza contemporánea, sin embargo, nos encontramos frente a un cambio de paradigma en los procesos de enseñanza-aprendizaje identificado por Rocío Luna como el paso de una pedagogía del adiestramiento a una pedagogía de la emergencia. Esto plantea una serie de interrogantes en torno a la vigencia, utilidad y proyección del legado grahamiano.

La labor disciplinada de Graham se sostiene paradójicamente en el rompimiento de la misma: “Te rebelas contra ello [porque] te divierten las barreras” (Martha Graham, La memoria ancestral, 1995). Lo anterior no refiere al juego simple de la obediencia y desobediencia, sino tiene que ver con la vivencia intensa de un estado de tensión entre lo posible y lo contenido, así como es su técnica: un cuásar donde “[e]l cuerpo debe ser temperado por una técnica dura y clara —la ciencia del movimiento de danza— y la mente, enriquecida por la experiencia” (Graham en Howard Gardner, Mentes creativas, 1993).

La mujer monstruo (mote utilizado por Alberto Dallal) optó por evitar el beso de la muerte prefiriendo disgustar a causar indiferencia, donde invocar a la muerte en el danzar implica vigorizar la práctica como el recordatorio de la vida misma.

El presente artículo plantea revisitar la poética de Martha Graham: su producción artística, su práctica pedagógica y la codificación de su lenguaje técnico. Para ello se hace uso de la teoría de las poéticas escénicas y actorales de Elka Fediuk, la cartografía teatral de Jorge Dubatti y las categorías de estilo de la danza de Carlos Pérez Soto. Aludo a una poética, que según los términos de Dubatti, ha excedido las relaciones textuales concretas ocupando el lugar de una archipoética quizá todavía representativa de la danza contemporánea.

Considero obligado para las y los interesados en el arte del danzar repensar la poética de Martha Graham. No hay que olvidar a una mujer que definió, defendió y difundió su poética personal cimentándola en la concepción del máximo esfuerzo y donde el sentido de la existencia se erige en una voluntad de hacer “de la que somos totalmente inconscientes: es la fuerza vital que nos utiliza como vehículo y tenemos que aceptar” (Graham, op. cit.). Una poética, también, de marcos conceptuales tan estrechos que sofocaron esa voluntad y que hicieron poner la soga al cuello a su misma creadora; pregonando durante su larga trayectoria la brevedad del oficio del y la danzante (situación por demás contradictoria), Martha Graham vivió en su vejez la angustia donde el danzar inevitablemente muta en sus códigos expresivos, pero que para ella significaba la muerte: “el bailarín, más que ningún otro ser humano, muere dos veces: la primera, físicamente cuando el cuerpo vigorosamente entrenado ya no responde como [se] quisiera” (ibíd.).

Lee el artículo completo aquí.

Las citas de Martha Graham provienen de su autobiografía La memoria ancestral, Circe, Barcelona, 1995.
Paulina María López Vega es maestra en Artes Escénicas de la Universidad Veracruzana y licenciada en Danza por la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo.

Breve acercamiento a la Ópera - Danza de Pina Bausch "Orfeo y Eurídice".

Por Laura Lozano Conde.

En “Cincuenta sonetos a Orfeo” los veneró Rainer María Rilke, Rubens inmortalizó su historia en un óleo sobre lienzo y Calderón de la Barca publicó un brillante auto sacramental. Sin embargo, ni uno solo de los genios anteriores fue capaz de captar la esencia de este mito y elevarlo de la forma que lo hizo Pina Bausch adaptando la Ópera de Gluck.

Orfeo y Eurídice se estrenó como Tanzoper (ópera danzada) en 1975 por la compañía de Wuppertal. La propuesta, arriesgada, consiste en un “desdoble de cuerpos” en sus personajes, de forma que los protagonistas tienen una representación como bailarín y otra como cantante, y ambos interactúan con el resto de los presentes en la escena. Los cantantes de ópera abandonan su rincón del escenario para adquirir un papel activo como narradores y actores. El avance de la historia es llevado a cabo por la voz y el cuerpo desarrolla el dramatismo. Pina quiere desvestir el conflicto de Orfeo para que sea comprendido por el espectador, y divide la obra en cuatro actos que identifica con sus respectivos sentimientos: Duelo, Violencia, Paz y Muerte.

La obra comienza directamente con la muerte de Eurídice, que permanece inmutable ante el lamento de Orfeo y el luto del cuerpo de baile. La visión de Bausch respecto a Duelo va más allá del lamento: pretende hurgar qué se esconde tras ese sentimiento, haciendo que el bailarín abandone la técnica para representar ese dolor desgarrador que en determinados momentos se patologiza y torna a una dolencia física.
La vulnerabilidad de Orfeo se simboliza mediante la semi desnudez y sus súplicas lo llevan hacia el descenso al Tártaro.

Allí comienza Violencia, con lo que entendemos que es la separación de cuerpo y alma de Eurídice, que pasa a ser custodia de los seres que habitan ese mundo. Orfeo aparece en escena y encuentra al can Cerbero, de tres cabezas, representado por tres bailarines masculinos y las Euménides, las divinidades más antiguas del panteón helénico, encargadas de vengar los crímenes. Pina nos revela la verdadera naturaleza de estos personajes femeninos tan frecuentemente representados como seres malévolos y trata de que comprendamos su idiosincrasia, de la misma manera que lo hicimos con las Willis en Giselle. No son personajes perversos que atacan; son féminas cuya libertad está siendo coartada por los hilos blancos que las atan al hábitat de Hades y al apiadarse de Orfeo lo conducen hacia su amada, causando la ira de Cerbero. Entonces sucede Paz, un acto de conciliación en el que las Euménides encuentran descanso y conquistan al público con movimientos ligeros de danza clásica. El sentimiento que provoca Pina mediante el cuerpo de baile es la más pura representación de sororidad; todas bailan con Orfeo y también entre ellas. Eurídice no predomina por encima de ninguna de ellas, porque Eurídice habita en todas.

Se abre paso el último acto, Muerte. La fragmentación entre los pensamientos de Orfeo y sus acciones se logra mediante la personificación de estas fuerzas: la cantante que interpreta a Orfeo explica la voluntad de no mirar a Eurídice para salvarla y el bailarín muestra el ahogo mientras resiste al deseo de girarse hacia ella. En varias ocasiones, los intérpretes de Orfeo se contradicen, desvelando así el análisis de Pina: las relaciones presentes en este mito son mucho más complejas que amoríos entre otras divinidades. La visión sincera y humana de un personaje como la convivencia de múltiples identidades es lo que “explica” el desliz o, mejor dicho, el pecado, pues al caer Orfeo en la tentación es condenado a la culpa perpetua.

De este modo, la coreógrafa desfigura el convencional final feliz para que el público comprenda que Orfeo, a diferencia de muchas historias de la mitología, no es un dios: es terrenal y actúa como tal, reflejando lo perpetuo de la condición humana -el error- y afortunadamente, el arrepentimiento.

Laura Lozano

Entrevistados por Olga Baeza el 6 de febrero de 2021 parea Radio 5 de RNE

Entrevista

Entrevistada por Olga Baeza el 14/01/21 para Radio 5 de RNE.

Entrevista

 

 

Entrevistada por Olga Baeza el 23/01/21 para Radio 5 de RNE

Entrevista

Entrevista realizada por Sara Esteller

saraesteller.com

Nazareth Panadero: “Las piezas de Pina Bausch son un conjunto de maravillas”

10 de septiembre 2020

Pina Bausch buscaba para sus obras a seres humanos que pudieran bailar. Nazareth Panadero (Madrid 1955) fue una de esas personas con las que se produjo la alquimia. Llegó al Tanztheater de Wuppertal en 1979 y, 41 años después, allí continúa, desplegando las infinitas posibilidades que el legado de Bausch, 11 años después de su muerte, aun le ofrece. El Ministerio de Cultura español le concedió el mes de diciembre pasado la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, distinción que no ha podido ser entregada por la pandemia. Hemos querido recoger sus impresiones por este reconocimiento y otras valiosas reflexiones sobre su carrera, sobre el valor presente del repertorio de la compañía alemana y algunas cuestiones del futuro. Durante la charla, Panadero enfatiza, explica, gesticula, se emociona, ríe a carcajadas. Toda la expresividad humana contenida en una artista total.

Ten Chi Foto Ursula Kaufmann

En 2014 el Ministerio de Cultura español le concedió el Premio Nacional de Danza y en 2019 la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes. Su país, aun con cierto retraso, le reconoce el trabajo y parece, además, como si con estos reconocimientos la quisiera atraer hacia aquí.

En eso no he pensado, pero me ha tocado mucho el hecho de que España se acuerde de mí. Me encanta Alemania y he hecho mi vida aquí, pero me siento española y estoy muy ligada a mi país. Haber estado tantos años fuera y que me recuerden es fantástico.

¿Supone algo especial verse en una lista de reconocimientos equiparada con otras disciplinas más valoradas socialmente como son la música y el teatro?

Fue precisamente Pina Bausch quien hizo mucho para que la danza fuera un arte entre las otras artes, al mismo nivel que la música y el teatro. Ella elevó el nivel, le dio contenidos profundos, quitó las fronteras entre teatro, danza, música, entre todo lo que puede tener cabida en un escenario. Por eso creo que hoy en día la danza está al mismo nivel que las otras artes.

¿Qué le ofreció la danza que se ha quedado toda la vida?

En mis inicios en España me ofreció una dimensión desconocida que no había sospechado que existía, me intrigaron inmediatamente las posibilidades de su lenguaje. Ya en Francia descubrí muchas cosas que quería explorar más allá del clásico. Pero después, el hecho de encontrarme con Pina Bausch me dio acceso a un lenguaje total. Si no la hubiera conocido no hubiera estado en escena tanto tiempo, habría perdido el interés. Es gracias a Pina Bausch, a lo que representaba la danza a su lado, que sigue teniendo interés para mí.

Nazareth Panadero en Cafe Müller, foto cortesía de Ursula Kaufmann

¿Por qué es Pina Bausch una artista única en cuya compañía lleva ya 41 años?

Por la autenticidad de su lenguaje y también por su dimensión. Con Pina Bausch no llegué nunca hasta el final porque las posibilidades que ofrece su lenguaje son ilimitadas. El impulso inicial para bailar es darte cuenta de que quieres expresarte a través del lenguaje corporal. Pero eso con Pina Bausch tomaba una dimensión infinita y extremadamente auténtica, daba la impresión de poder jugar, buscar y encontrar hasta el infinito, de estar rodeada de posibilidades que podías coger o dejar, pero que ahí estaban. Se puede ir más lejos, seguir avanzando con la edad, con el conocimiento, con las experiencias vitales.

Ella decía en las entrevistas que sin los intérpretes no hubiera conseguido nada, en eso se retroalimentaban.

La palabra intérprete no funciona para la compañía porque para ella los bailarines eran artistas. Cuando le preguntaban sobre cómo los elegía decía que buscaba a seres humanos que pudieran bailar. Un intérprete es alguien que reproduce algo y con Pina Bausch lo que se daba era un diálogo entre ella y sus performers, había que inventarlo todo.

En la película que Win Wenders realizó sobre Pina Bausch y la compañía usted dice que lo pasaban muy bien, que hacían cosas muy disparatadas. ¿Sigue siendo así?

Me refería al proceso creativo con Pina que consistía en buscar en todas las emociones posibles. Se podía jugar con muchas cosas para luego concretar, hacer una estructura y un espectáculo. Su trabajo era hacer de todo este material que había estallado una pieza. Una mezcla de enorme libertad con enorme rigor.

Ha participado en 35 obras de Pina Bausch. ¿Es alguna de ellas especial para usted?

Las obras de Pina son un conjunto de maravillas, cada una diferente, con distintos colores o notas. Por eso las piezas especiales lo son por el momento en que se realizaron. Como la última que hice con Pina, Sweet Mambo, de 2008, simplemente por ser la última. Fue otra vez una puerta abierta, no tuve la impresión de fin, por eso el día que deje la compañía sé que no habrá un fin, que la danza tomará otras formas. Esta pieza tiene esa connotación, darme cuenta a la edad que tenía, cincuenta y tantos, que esta búsqueda de Pina no tiene fin. Estoy muy ligada también a Palermo, Palermo porque había dejado la compañía dos años y regresé, en el 89. También tengo una relación especial con Barba Azul que es la que vi en el Théâtre de la Ville de París en 1979, cuando conocí a Pina. Con esta pieza abrí los ojos a su universo. Pero no tengo una pieza preferida, tengo muchas, cada una está en su lugar.

Han pasado ya 11 años sin Pina Bausch. ¿Cómo valora esta década sin ella?

A la compañía le falta Pina Bausch, el lugar que ella dejó no se puede llenar con nada, pero la influencia que dejó es tan grande y sus piezas tan sólidas que la han sobrevivido y nos pueden sobrevivir a todos nosotros; eso es lo que hace que la compañía siga. Ha dejado una obra extensa y auténtica y las piezas siguen siendo actuales. El mundo cambia, las generaciones cambian y a los jóvenes de hoy les sigue interesando este lenguaje.

En estos años, el gran dilema por resolver viene dado porque Pina creó un universo donde se estaba en estado constante de creatividad, primero con dos piezas al año (resulta increíble pensar que Kontakthof y Arien estén hechas en la misma temporada), y después una por año, lo que suponía estar en un proceso creativo que se compaginaba con la exhibición del repertorio. Cuando ella falleció quedó ese eco, un estado permanente de creatividad. Esto se ha resuelto de diferentes formas hasta ahora y yo he participado en todas las fórmulas que la compañía ha ofrecido, lo que me ha permitido tener un excelente diálogo con otros artistas que han pasado por Wuppertal después de Pina. Eso es tan importante para mí hoy en día como su legado, porque siempre se ha compaginado repertorio y creación. Para que el repertorio no sea simplemente piezas que se exhiben, para que recoja el espíritu del momento, para que los performers estén en el escenario como si fuera la primera vez, para eso hay que estar despierto y creativo. El compaginar la creación y el repertorio de Pina Bausch permite a la compañía seguir viva; simplemente el dilema de estar en ese equilibrio le insufla vida. Quería destacar el trabajo hecho con Alan Lucien Øyen y con Dimitris Papaioannou. Yo estuve en Bon Voyage, Bob, la pieza de Øyen y me marcó mucho. Fue un pequeño milagro ver como alguien que no tenía contacto directo con la obra de Pina nos hizo estar tan cómodos, trabajando algo muy diferente, pero a la vez paralelo.

La compañía trabaja estas semanas en la reposición de una pieza de 1978…

Ella tuvo ese deseo de dejar su obra viva y lo consiguió. Gracias a eso se ha podido continuar con su legado. Si hubiera sido una compañía basada en la última creación no estaríamos aquí. Ella, probablemente, tenía la intuición de que su obra era importante y tenía que sobrevivir.

¿Qué tarea ha emprendido en Wuppertal tras las vacaciones?

Hablar ahora es muy complicado, es un tema estratégico, político, tiene muchas connotaciones que para nada son artísticas. Lo artístico es lo último en esta situación, por eso tengo una especie de freno a contestar. Hay todavía un programa de antes del coronavirus, pero hay que ir viendo qué es realizable y qué no. Hasta ahora hay ensayos individuales, con poca gente; también están las clases, con las normas de higiene como en otras compañías. Se prepara la reposición de He takes her by the hand… que son solo nueve personas, y el resto del programa está en papel, pero habrá que ir viendo. Dependerá mucho de la situación del mundo porque estamos hablando de una compañía internacional.

Siento tener que mencionar el virus porque no es nada artístico. Creo que se trata, no solo para nosotros sino para todos, de no renunciar y demostrar que estamos vivos. Mientras el mundo no se estabilice todos los trabajos que tienen una parte internacional van a estar muy tocados. Y más aun la danza, que se nutre de la proximidad, piel con piel. Si dejo de lado lo que es la tragedia de la situación, para mi puede ser interesante ver cómo seguir con cierta motivación en la situación en la que estamos, pero eso es hablar más de filosofía de vida que de danza. Creo que todos tenemos los mismos problemas y lo único que se puede esperar es que eso sirva para encontrar una solución colectiva.

¿Cuántos años le quedan en activo en Wuppertal y qué otros proyectos está desarrollando en paralelo?

No tengo ninguna obligación de retirarme de la compañía, pero por mi edad empiezo a pensar en otras cosas. Vine por un año o dos, pero era tan interesante y rica la experiencia, descubrir que puedes ser performer después de los 40, los 50 y los 60 años, que por eso me he quedado. Yo sigo mi vida de la misma manera, pero dada mi edad y dado que Pina ya no está pienso en hacer otras cosas, en mis pequeños proyectos. Me encanta enseñar y el contacto con la gente joven. Tenga la edad que tenga continuaré con otras cosas relacionadas con lo vivido con Pina, pero que por otro lado tengan que ver con mi edad y mis intereses del momento. Por ejemplo, en estos años sin Pina he desarrollado el trabajo con mi compañero en la compañía Michael Strecker. Fue a partir de la película de Win Wenders, un gran artista, una persona muy sensible que nos ayudó a sobrellevar el duelo. Pasó varios meses con nosotros durante las grabaciones, y una de las cosas que nos pidió a cada uno fue hacer algo que para nosotros fuera esencial e importante de nuestro trabajo con Pina. Yo quise hacer algo de la última pieza, Sweet Mambo, el dueto con Strecker. Fue a partir de ese momento que pensamos en hacer cosas juntos. Hemos creado varios dúos que hemos presentado en el ciclo Underground de Wuppertal, un espacio donde los artistas que tiene ganas de crear pueden mostrar su trabajo. Si todo va bien en junio de 2021 crearemos y presentaremos una pieza en los Teatros del Canal de Madrid.

Nazareth Panadero y Michael Strecker en Clandestine, foto cortesía de Ursula Kaufmann

Existe también un proyecto que quedó parado por la pandemia. Se trata de una creación para la compañía que empezamos a preparar Richard Siegal  en los Teatros del Canal en noviembre de 2019 y que luego hemos ido trabajando en diferentes períodos. Era para Encounters, un programa compartido por diferentes artistas y coreógrafos que se tenía que haber estrenado en junio en Wuppertal pero no pudo ser. Espero que en el futuro cristalice, aunque sea con otra fórmula. No quiero hablar siempre en negativo del coronavirus, hay proyectos que se retomarán más adelante, como este que menciono, y algunos que he podido hacer durante el confinamiento, como la participación en la video danza que para el Sadler’s Wells ha hecho el cineasta Jonathan Glazer. Nos fuimos encontrando por zoom, mi coreografía está grabada con un teléfono por mi marido y durante dos semanas nos olvidamos del virus.

He grabado también la canción Los días largos, una pequeña perla para Lost Memorys III del compositor japonés Yun Miyake. Aunque es una canción, si cierras los ojos ves una pieza de danza-teatro. Toda esa apertura la recibí de Pina Bausch, es la onda que ella ha dejado en mí. Para mí eso, hoy, es lo más importante.

http://www.pina-bausch.de/en

Entrevistadas por Olga Baeza el 04.06.2020 para Radio 5 de RNE

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Entrevistada por Olga Baeza el 21.05.2020 para Radio 5 de RNE

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