El podcast Vivo bailando tiene como protagonistas a cinco inspiradoras artistas del mundo de la danza: Poliana Lima, Luz Arcas y las Premios Nacionales de Danza Olga Pericet, Rocío Molina y María Pagés. Cinco mujeres que son ya historia de la creación coreográfica en nuestro país y referentes internacionales de este arte. Cada capítulo condensa una conversación de cinco minutos en la que las creadoras comparten con la periodista Olga Baeza los secretos del poder transformador de la danza y su transcendencia en la sociedad.

Los cinco episodios de esta primera temporada visibilizan en primera persona la aventura de una vida dedicada a la creación con sus riesgos, sus temores y sus alegrías. Y, también, con sus consejos para las nuevas generaciones.

Vivo bailando es una iniciativa de la agencia de comunicación CULTPROJECT en colaboración con el Ministerio de Cultura, Radio Nacional de España y el Parlamento Europeo.

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UN PAÍS EN DANZA, idea original de Antonio Najarro, cumple con el objetivo del ente público de divulgar la cultura en general y los valores particulares que como sociedad nos colocan como referentes a nivel internacional. Con la emisión de su segunda temporada se vuelve a dar visibilidad a una disciplina y a unos valores, que más allá de la expresión artística, está presente en otros entornos y disciplinas profesionales. Esta segunda entrega vuelve a dejar patente, por el nivel de sus invitados, la relevancia de los profesionales de la danza que año tras año nuestro país “ofrece” al mundo de la cultura, profesionales que agotan entradas en los centros culturales más prestigiosos del mundo.

La danza española y sus variedades están muy presente en esta temporada, en la que se puede conocer desde las raíces de nuestras tradiciones y de cómo, desde el respeto, han evolucionado hasta nuestros días gracias al compromiso de dantzaris como Jon Maya, sorprendiendo más allá de nuestras fronteras, experimentando e innovando como Manuel Liñán, Rocío Molina o Eva Yerbabuena. Donde la fusión mejora el concepto, como lo demuestran bailarines como Jesús Carmona o Chevi Muraday en sus interpretaciones.

Un país en danza es un compromiso con la disciplina y por dar cabida a quien a lo largo de su vida así lo ha entendido. Si en la primera temporada tuvo “decanos” del arte, como fue el caso de Carlos Saura, en la segunda cuenta con exponentes de otras épocas, como es el caso de Rafael de Córdova. Sin olvidar a aquellos representantes que triunfan al frente de compañías fuera de España, como es el caso de Lucía Lacarra o Iratxe Ansa e Igor Bacovich. Pero también es un compromiso por acercar estos valores al gran público, de ahí que en esta temporada cuente con invitados como Javier Castillo, “Poty”, un referente de la danza que ha sabido “colarse” en entonos menos técnicos, pero necesarios para alcanzar este propósito.

Así como en la primera temporada dio cabida a otras disciplinas, ajenas a la danza, pero en las que esta está muy presente, esta entrega da cabida a los oficios que hacen posible que esta expresión corporal alcance sus máximas cotas. De este modo, poner en valor a un sector que ha sufrido en primera persona las consecuencias de una pandemia que, en la mayoría de los casos, los relegó a un punto muerto en sus respectivas actividades. Sin olvidar a aquellas iniciativas que reivindican la danza como patrimonio cultural de nuestro país y elemento integrador, como es el caso del Festival de Jerez o del Psicoballet Maite León.

UN PAÍS EN DANZA es una producción de RTVE en colaboración con la productora KROMA QUITE ON, que se emitió del 3 de octubre al 5 de diciembre, todos los lunes a las 20:00h por La2 de Televisión Española.

Accede a todos los episodios de Un país en danza 2ª temporada aquí.

Manuel Liñán e Isamay Benavente

Iratxe Ansa e Igor Bacovich (Metamorphosis Dance)

Jon Maya

Chevi Muraday

Lucía Lacarra

Jesús Carmona

Rocío Molina

Javier Castillo 'Poty'-

Eva Yerbabuena

Rafael de Córdova

El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, organizaron una conmemoración muy especial para celebrar el Día Internacional de la Danza, 29 de abril,en 2022, a través de un streaming por la paz, que unió coreografías del Ballet Nacional de España (BNE) y de la Compañía Nacional de Danza (CND) con el mensaje de condena a las atrocidades de la guerra que simboliza el Guernica (1937) de Pablo Picasso. La sala 206 del Edificio Sabatini nunca se había abierto antes para acoger un espectáculo coreográfico de estas características que, por primera vez, unió a las compañías nacionales de danza en una propuesta artística conjunta frente a esta obra universal.

La emisión del programa se realizó en directo el propio viernes 29 de abril, Día Internacional de la Danza, y permanecerá en el Canal Youtube del INAEM.

El programa, que incluye dos obras de estreno, se abrió con el estreno absoluto de la pieza Sombras, coreografiada especialmente para esta efeméride por el asistente de dirección artística del BNE, Miguel Ángel Corbacho, sobre la composición «Racheo», de Raúl Domínguez. Le siguieron las coreografías de Ricardo Amarante Fear y Loss, interpretadas por bailarines de la CND sobre los temas «Ne me quitte pas», de Jacques Brel, y «Mon Dieu», de Charles Dumont, ambos con arreglos musicales a cargo de Nataliya Chepurenko. El programa se cerró con Sangre de toro, creada por el director del Ballet Nacional, Rubén Olmo, sobre la «Bulería» de Diego Losada; y la pieza de estreno, montada para esta conmemoración, titulada Guernica, también con música de este compositor.

Coincidiendo con la conmemoración de los 85 años del ataque la localidad vizcaína de Guernica –bombardeada el 26 de abril de 1937-, esta iniciativa reivindica un mensaje de concordia y solidaridad a través del lenguaje universal de la danza. En palabras del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta “unimos por primera vez a nuestras dos compañías nacionales de danza frente a un símbolo universal de paz, como es el Guernica, para que el talento y la dedicación de nuestros bailarines y la singular expresión de la danza en sus diferentes estilos nos reconforten con su mensaje de confraternidad, belleza y esperanza.” El director del BNE, uno de los impulsores de esta iniciativa, subrayó que “hemos querido expresar mediante el baile el sufrimiento que causan las guerras y nuestro rechazo a que vuelvan a suceder hechos como este”. Por su parte, Joaquín De Luz, al frente de la CND, destacó que “la danza es un idioma universal que nos conecta como seres humanos. Crea lo opuesto que la guerra, que es destrucción y separación”.

Los bailarines que interpretaron este programa por la paz son Inmaculada Salomón, Miriam Mendoza, Débora Martínez, Aitana Rousseau, Cristian García, Álvaro Gordillo, Matías López, Adrián Maqueda, Álvaro Marbán, Alfredo Mérida, Áxel Galán y Manuel del Río, del Ballet Nacional de España; y Alessandro Riga, Cristina Casa, Anthony Pina, Giada Rossi, Ion Agirretxe y Pauline Perraut, de la Compañía Nacional de Danza.

La danza y sus valores llegaron a La 2 de RTVE en la temporada 2021/22 con el programa ‘Un país en danza’, presentado y dirigido por el bailarín, coreógrafo y exdirector del Ballet Nacional de España Antonio Najarro, acompañado en cada entrega por estrellas de la danza de todos los géneros y figuras de otras disciplinas.

‘Un País en Danza’ es un programa documental, producido por RTVE en colaboración con Kroma Quite On, en el que primeras figuras de la danza y otras manifestaciones artísticas muestran el mundo de la danza desde diversos ángulos, con un doble objetivo: lograr visibilidad y difusión para esta disciplina a través de un soporte de máxima calidad para todos los públicos.

Antonio Najarro ha expresado su felicidad “porque los valores reales de la danza se reflejen en la televisión pública”. “Con invitados de excepción, que hablan de lo que significa la danza, vamos a ver cómo puede engrandecer a muchas artes”, explicó. “La danza no tiene trampa ni mentira. Es repetición, constancia, sacrificio. Me ha aportado disciplina, sentido del respeto y orgullo de pertenecer a España. Y quiero que la gente se enganche, se emocione, sepa cómo empezaron Nacho Duato, Rubén Olmo, Sara Baras, Joaquín de Luz o María Pagés, o vean bailar a Ona Carbonell o Javier Fernández”.

Además de la música, la coreografía, la pintura y la literatura, consideradas “las cuatro artes del baile”, las producciones actuales suman otros recursos escénicos como el diseño de vestuario, la iluminación o la escenografía, que implican la presencia de otros profesionales. A su vez, la danza aparece como aliada en el teatro, la moda, la ópera y en otras disciplinas artístico-deportivas como el patinaje artístico sobre hielo, la natación sincronizada o la gimnasia rítmica. De esta confluencia de artes surge un diálogo enriquecedor que se refleja en cada uno de los capítulos.

En cada capítulo, se trata un concepto o un valor. Antonio Najarro, arropado por una figura de la danza y/o una personalidad de otra disciplina, ejemplifica y desarrolla ese concepto, después de visitar sus lugares de ensayo o entrenamiento, conversar y profundizar en esos valores. Por ‘Un País en Danza’ pasan representantes de la danza española en todos sus estilos, como Rubén Olmo, director del Ballet Nacional de España desde 2019, y del baile clásico, como Joaquín de Luz, actual director de la Compañía Nacional de Danza. La danza urbana está representada por Dani Pannullo; la contemporánea y neoclásica, por Nacho Duato y Blanca Li; el flamenco, por Sara Baras, María Pagés y Blanca del Rey.

Y como exponentes de otras disciplinas están Ona Carbonell (natación sincronizada); Teresa Helbig, Juan Duyos y Paul Oteyza (moda); Alberto Conejero (dramaturgia); Javier Fernández (patinaje artístico sobre hielo); Ara Malikian y Luz Casal (música); Carlos Saura (cine); o Blanca Pons Sorolla (pintura). Todos han tenido contacto con la danza a lo largo de su vida artística y en ‘Un País en Danza’ cuentan cómo ven y cómo sienten este arte. Testimonios de personajes de gran relevancia en el mundo artístico y deportivo de nuestro país, que no pertenecen directamente al mundo de la danza, pero que nos permiten comprender algo más de este arte a través de sus miradas.

Puedes ver los 8 programas de Un país en danza en RTVE Play: www.rtve.es/play/videos/un-pais-en-danza.

Con motivo del Día Internacional de la Danza, que se celebra en todo el mundo el 29 de abril, la periodista Mercedes L. Caballero, autora del medio de comunicación especializado, unblogdedanza.com, ha reunido en un vídeo a más de 70 coreógrafos y coreógrafas que trabajan en el país. A raíz de la pregunta formulada, La danza es…, reconocidos y emergentes rostros de la creación coreográfica, declaran a cámara, con palabras y movimiento, su propia definición de este arte. “Un gran viaje en pocos metros cuadrados”, “identidad”, “intercambio”, “la más bella forma de dimensionar el cuerpo”, “necesaria”, “un ámbito de trabajo”, “pensar con el cuerpo”, “el corazón de un guepardo” o “un acto de resistencia”, algunas de la expresiones que se recogen en este vídeo que ya es testimonio de la actualidad de la danza.

Creadores y bailarines como Mónica Runde, Dani Pannullo, Carmen Werner, los directores de las compañías nacionales Antonio Najarro (Ballet Nacional de España) y José Carlos Martínez (Compañía Nacional de Danza), Janet Novás, Daniel Abreu, Olga Pericet, Chevi Muraday, Roser López Espinosa, Marco Flores, Antonio Ruz, Rosángeles Valls, Pedro Berdäyes y un largo etcétera, dan forma a este proyecto audiovisual en el que se dan claves sobre la creación en danza y el discurso de quienes la protagonizan y se toma el pulso a la actualidad dancística, dando como resultado un documento único y especial.

Los vídeos han sido grabados por los propios creadores a partir de la iniciativa lanzada desde Unblogdedanza y recogidos y editados por la periodista. De todas las definiciones formuladas alrededor de la danza, se ha elaborado un documento publicado, junto al vídeo, en unblogdedanza.com y su canal de youtube.

La danza es... en unblogdedanza.com

Unblogdedanza es un medio de comunicación digital especializado en danza fundado en 2011.
Mercedes L. Caballero, autora del site, es periodista especializada en información, crítica y difusión de la danza desde hace más de15 años. Miembro de la Academia de las Artes Escénicas de España, forma parte del consejo de dirección de su revista.

En el año del bicentenario del nacimiento de Marius Petipa, gran coreógrafo francés considerado el 'padre del ballet clásico', la Compañía Nacional de Danza le dedica uno de sus Cuadernos Educativos.

Bailarín, coreógrafo y uno de los maestros más influyentes de la historia de la danza, Marius Petipa es el padre del ballet clásico. A él le debemos más de 50 ballets completos, algunos tan emblemáticos como La bella durmiente. Su etapa española le influyó profundamente y creó piezas tan significativas como Don Quijote.

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Escenarios, lentejuelas, cuerpos perfectos, focos, aplausos… cuando vemos a los bailarines profesionales todo en ellos nos parece fácil, bonito y glamuroso, pero, ¿qué hay detrás de una profesión desconocida para el gran público? El sector se enfrenta en España a una situación precaria con más sombras que luces. Bailarines, coreógrafos, directores y docentes comparten con nosotros algunos de los problemas que sufren los que eligen la danza como profesión.

Cuando a una persona le preguntan, ¿A qué te dedicas?, y contesta – Soy bailarín profesional-, lo habitual es que le miren extrañados y digan, ¿y aparte de eso? Es el desconocimiento general de una profesión durísima que exige dedicación, disciplina, tenacidad y mucha vocación. Los bailarines profesionales comienzan su formación siendo sólo unos niños y no paran de estudiar y reciclarse durante toda su vida. Al tratarse de una carrera muy corta, los bailarines asumen el reto de tener que buscar un plan b a esa efímera vida de intérprete. Aunque los espectadores sólo ven la parte más atractiva de subirse a un escenario a recibir el aplauso del público, la realidad de un sector desconocido para la mayoría está llena de sombras y escollos que convierten a estos profesionales en auténticos supervivientes.

Pedimos a sus protagonistas que nos cuenten con qué problemas conviven a diario (...).

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Veinticinco años después desde la última vez que la Compañía Nacional de Danza llevó al escenario un ballet clásico completo, llega al Teatro de la Zarzuela -del 16 de diciembre al 3 de enero- el estreno absoluto del ballet Don Quijote, en una producción coreografiada por el director de la formación, José Carlos Martínez, con música de Ludwig Minkus (que interpreta en esta ocasión en directo la Orquesta de la Comunidad de Madrid), figurines de Carmen Granell, escenografía de Raúl García Guerrero y diseño de iluminación de Nicolás Fischtel.

Basilio y Quiteria pasearán su amor por el teatro madrileño a través de la coreografía de José Carlos Martínez para la CND, que el director ha diseñado con un carácter genuinamente español.

El ballet Don Quijote de Marius Petipa fue, junto con El Lago de los Cisnes, uno de los ballets más populares en Rusia, donde se creó en 1869 sobre una partitura de Ludwig Minkus. Esta obra, llena de color, rompía con el universo de las criaturas sobrenaturales o etéreas de los ballets clásicos del XIX, para poner en escena a la gente del pueblo.

El libreto se basa en un episodio del segundo volumen de El Quijote de Cervantes (capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos...”), y la acción se centra más en los amores tumultuosos de Quiteria y Basilio que en las propias aventuras de Don Quijote y Sancho: "Basilio se enamoró de Quiteria desde sus tiernos y primeros años, y ella fue correspondiendo a su deseo con mil honestos favores, tanto, que se contaban por entretenimiento en el pueblo los amores de los dos niños Basilio y Quiteria." Miguel de Cervantes.

Junto a los bailarines de la CND (Seh Yun Kim, Kayoko Everhart, YaeGee Park, Haruhi Otani, Alessandro Riga, Esteban Berlanga, Moisés Martín Cintas, Anthony Pina y Aitor Arrieta, en papeles principales), para algunas de las primeras 12 de funciones de este nuevo Don Quijote que la CND ofrecerá en el Teatro de la Zarzuela entre el 16 de de diciembre y el 3 de enero, Martínez ha querido contar con la colaboración de destacados bailarines invitados: Joaquín de Luz (madrileño, primer bailarín del New York City Ballet) será Basilio los días 16, 19 y 20 de diciembre; mientras que Quiteria será interpretada por Cristina Casa (madrileña, solista en Royal Ballet de Flandes, días 17, 27 y 30 de diciembre), Maria Kochetkova (moscovita, bailarina principal del Ballet de San Francisco días 19 y 20 de diciembre) y Elisa Badenes (valenciana, bailarina principal del Ballet de Stuttgart, días 1 y 3 de enero).

(Pueden consultarse los elencos completos aquí).

José Carlos Martínez explica: "Basándome en la coreografía original de Marius Petipa, y en las diversas versiones que he tenido ocasión de bailar (Nureyev, Baryshnikov, Gorski), me ha parecido importante mantener la construcción coreógrafica del ballet, pero he querido darle un matiz más poético al personaje de Don Quijote y a su búsqueda del amor perfecto encarnado por Dulcinea. A su vez, era necesario quitarle ese toque "español para turistas" y acercarse lo más posible a la esencia de nuestra danza. Me parece muy importante que la producción de Don Quijote de una compañía española, aún siendo una versión del clásico ruso-francés, sea realmente respetuosa con nuestra cultura y nuestra tradición."

Cienfuegos reconoce también que la obra es un reto para los bailarines, tres mujeres y dos hombres, ya que exige alto rigor técnico y de ejecución, así como un compromiso a nivel artístico, “requiere contrastes muy radicales entre las dinámicas del movimiento”.

Sobre sus flamantes 15 años de trayectoria, ampliamente festejados en 2014, durante los que ha estrenado más de 20 piezas de diferentes formatos y ha recibido reconocimientos tan destacados como el Premio Nacional de Costa Rica, Yoshua Cienfuegos reconoce que es agotador. “En este camino acabas exhausto, y aunque celebrar años es importante las cosas deben cambiar, el esfuerzo debe otorgar una retroalimentación. Con las perspectivas actuales no se puede continuar, desgasta demasiado”, apunta refiriéndose al severo recorte y la situación agónica que padece el sector de la danza.
En marcha, sin embargo, y pese a la precariedad financiera, que no artística, afronta un 2015 interesante, que incluye la publicación en dos tomos de su metodología de trabajo, uno referido a la técnica y su aplicación pedagógica y otro al contenido artístico, con dvd de algunas de sus piezas incluido. Inicia también un taller de cinco meses con un grupo de 20 bailarines que se formarán e investigarán en torno al lenguaje sistematizado por el coreógrafo. Una vertiente, la de la transmisión de la metodología, que le llevará junto a otros dos profesionales a realizar una serie de talleres en Italia, Malta, Alicante y Asturias.

Pero sin duda uno de los proyectos a medio plazo que más ilusiona a Yoshua Cienfuegos es la creación de gran formato que en 2017 firmará para el uruguayo Ballet Nacional del Sodre que dirige Julio Bocca. Un especie de carta blanca en la que desplegar sin restricciones todo su torrente creador.

Puedes ver este reportaje en RTVE A la Carta:

Gelabert

Esta emotiva celebración supone el arranque de una temporada excepcional que llevará a la CND muy pronto a destinos tan exóticos como China y Japón.

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Con motivo de este 35º aniversario TVE emitió en el programa Atención obras, el 17 de octubre de 2014, el siguiente reportaje:

35 años de danza clásica

Aunque no pude seguir la retransmisión en directo por las leyes de derechos online en Alemania, sin duda uno puede apreciar que más compañías se unan a este tipo de eventos por internet. Como una de las compañías más punteras en la promoción en redes sociales, no es la primera vez que el Royal Ballet nos permite entrar en directo a sus estudios a través de youtube, pero no es algo tan común para las compañías rusas o americanas, unos por falta de apertura y otros de nuevo por derechos. Para el Ballet Nacional de Canadá y el Australian Ballet, menos conocidos en el círculo internacional, es una oportunidad de abrirse al gran público.

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Aunque es hija de dos grandes de la danza flamenca -Mario Maya y Carmen Mora- Belén Maya (Nueva York, 1966) comenzó relativamente tarde como profesional: fue en 1984, cuando tenía 18 años. Hasta entonces la danza había formado parte de su vida, no sólo por la profesión de sus progenitores, sino también por su formación en academias de baile clásico.

Pero fue hace ahora justamente 30 años, en 1984, cuando inspirándose en un baile de Carmen Mora, Belén Maya montó su primera coreografía para interpretar ante el público de manera profesional. Lo hizo en el tablao Los Gallos de Sevilla. Desde entonces Belén Maya ha estado permanentemente renovando los códigos de la danza flamenca y su imagen se convirtió en el icono de la renovación flamenca cuando fue elegida por Carlos Saura para representar a las nuevas generaciones en su película “Flamenco” (1995), siendo además la imagen del cartel de dicho film.

Pionera: otro flamenco era posible

“El baile flamenco no es el vestuario, ni siquiera la música. Es una sensación, un tipo de movimiento que mueve una emoción”, afirma la coreógrafa.  Desde esta perspectiva, Belén Maya ha desarrollado su carrera profesional a partir de la continua necesidad de explorar y profundizar en todo ese entramado de elementos activos: música, escena, narración, interpretación, teatralidad, lenguaje, etc., hasta llegar a la última y principal piedra clave de ese edificio creativo de reflexión y comunicación: el ser humano que lo construye. Ella.

Así, Belén Maya demostró en su momento que otro flamenco era posible alejándose de lo accesorio para centrarse en lo esencial de este arte, al que además, le aporta sus constantes investigaciones con la dramaturgia. Belén Maya ha sido posiblemente la primera artista que ha impulsado los códigos de la danza flamenca del cambio de siglo: no por añadir nuevas normas sino más bien por liberarla de límites, por hacer posible la convivencia del flamenco con otros lenguajes y, en definitiva, por abrir de par en par las compuertas de la libertad léxica, sintáctica y semántica en el baile y en la escena.

Danza y teatro

En su evolución, Belén Maya ha ido generando un concepto progresivamente expansivo de la expresión artística. Así, en los últimos años abre una nueva dimensión y demuestra un especial interés por desarrollar su vertiente teatral.  Al cuerpo en movimiento, Belén Maya añade con eficacia el gesto y la palabra para abordar el siempre difícil reto de construir el personaje dramático.

Crear y compartir

Este interés de Belén Maya por ahondar en el proceso creativo no sólo alimenta su movimiento interno sino que genera además una dimensión centrífuga desde el instante en que expresa en alto y comparte sus reflexiones con otros artistas: “Somos islas –reprocha la artista-, islas de gente que ya ha creado un lenguaje muy personal, mundos aislados y muy complejos cada uno”. De ahí su interés por generar y aceptar colaboraciones, por invitar a otros compañeros a sus espectáculos, por sumar elementos a su propio sistema.

Consecuencia añadida de esta necesidad de extraer conclusiones y de compartirlas son las tutorías y conferencias con las que enriquece sus actividades académicas, así como los encuentros con el público que mantiene tras los espectáculos. El argumento último es siempre el mismo: la creación, que es finalmente la esencia y la justificación del trabajo artístico.

Es fácil disfrutar de los espectáculos de Belén Maya. Sus procesos de investigación se sustancian en conclusiones limpias, claras, sin ruidos y siempre integrando la belleza estética en su discurso como su más eficaz herramienta expresiva. Pero su verdadera dimensión se aprecia cuando, además, somos capaces de contextualizar su trabajo situándolo en el centro de gravedad de ese complejo sistema de elementos y relaciones a partir de las cuales la artista nos hace partícipes de su concepción holística del flamenco.

Huella de autora

Desde aquel primer baile de 1984, Belén Maya ha ido dejando clara constancia de su sello. Espectáculos como “La diosa en nosotras”, “Flamenco de cámara”, “Fuera de los límites” o “Dibujos”, y colaboraciones con artistas como Carlos Saura, Israel Galván (en la foto, en Lo real), Carmen Linares o Mario Maya, entre otros, reflejan ese mundo creativo tan personal que Belén Maya ha sabido construir poco a poco, sin prisa, y que le ha valido reconocimientos como el de Mejor Bailaora según los Premios de la Crítica Flamenco Hoy (por partida doble) o el Premio de la Crítica del Festival de Jerez, que concede la Cátedra de Flamencología de Jerez. Importantes distinciones para una relación de compromiso nada convencional con la danza.

Romper con los códigos no es fácil. Hacerlo con acierto aun lo es menos. Y seguir siendo tras 30 años de profesión una referencia en la evolución del lenguaje flamenco es toda una proeza que solo se consigue con constancia, con coherencia y, desde luego, con genialidad. Así han sido estas tres décadas de Belén Maya a la vanguardia de la danza flamenca.

Sus espectáculos:

La diosa en nosotras (1996)

Mayte + Belén (1997)

Flamenco de Cámara (2003)

Fuera de los límites (2004)

Dibujos (2005)

Souvenir (2007)

La Voz de su Amo (2007)

Bailes Alegres para Personas Tristes (2010)

Tr3s (2011)

Habitaciones (2011)

Trasmín (2013)

Los Invitados (2014)